Troyanas. Esto es Troya … sólo quedan escombros.

Tras el éxito obtenido en el Festival de Mérida y recorrer durante estos meses varias plazas – como Salamanca, el Festival de Grec de Barcelona o el Teatro romano de Sagunto y Zaragoza-, “Troyanas” se representa desde el pasado 10 de noviembre y hasta el 17 de diciembre en la sala principal del Teatro Español.Resultado de imagen de imagenes troyanas teatro español

Esta adaptación del texto de Eurípides viene firmada por Alberto Conejero y es dirigida por Carme Portaceli. Es una dramaturgia que puede ser actual en nuestros días tal como lo muestran en este montaje con proyecciones sobre la cruz caída en el escenario en la que vemos ruinas que nos recuerdan a los balcanes, un rostro de una mujer refugiada o en el personaje del soldado mensajero Taltibio, que está interpretado correctamente por Ernesto Alterio y que sirve como narrador para el espectador.

El plato fuerte de las interpretaciones está en los seis personajes femeninos que nos muestran, capitaneada por Aitana Sánchez-Gijón que interpreta a Hécuba, a la que transmite esa personalidad fuerte obligada por las circunstancias, pero en la que quizás se la vea forzada en algunas situaciones trágicas de la trama y no creíble su dolor que parecía sobreactuado … Aunque en términos generales demuestra su gran solvencia interpretativa, yo la veía más como anillo al dedo cuando hizo Medea que en esta obra.

Grandes momentos de Gabriela Flores como Andrómaca o Pepa López como Briseida.  Maggie Civantos también tiene un momento estelar pese a que Helena es un personaje secundario. A priori la mayor duda podía estar en Alba Flores, joven actriz más conocida en series de televisión; se la ve que cada vez se siente más cómoda interpretando a Políxena. Puede tener un futuro prometedor en los escenarios.

En resumen, es un texto que, a pesar de los siglos que tiene, lamentablemente es de actualidad como se sigue tratando a la mujer como un ser inferior y que en las guerras siempre hay víctimas como los niños, el hambre y las miserias del ser humano convertido en verdugo.

Los escombros que quedan de Troya siguen existiendo en nuestra sociedad.

Para más información sobre la programación y venta de localidades:

http://teatroespanol.es/

Enrique Lázaro

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Los vinos D.O. Toro se visten de gala

Resultado de imagen de logo 30 aniversario D.O. ToroCon motivo del 30 aniversario de la Denominación de Origen Vinos de Toro, el próximo 4 de diciembre se va a celebrar un acto conmemorativo que congregará a profesionales de la gastronomía, del sector vinícola y responsables institucionales, así como a integrantes del Consejo Regulador con la asistencia de su presidente, Felipe Nalda Álvarez.

El salón de columnas del Círculo de Bellas Artes de Madrid ha sido elegido para acoger este acto, que será presentado por el periodista Fernando Ónega.

Si nos remontamos en el tiempo, los vinos de Toro tienen una gran tradición y unos orígenes anteriores a los asentamientos romanos. Existen documentos que demuestran que tenían privilegios reales y que había gran demanda de estos vinos entre los peregrinos que acudían a Santiago de Compostela. Alfonso IX cedió tierras de Toro a la catedral compostelana para que ellos elaboraran allí su vino.

En el s. XIV en Sevilla estaba prohibida por orden del Rey la venta de cualquier vino foráneo excepto el de Toro. También viajó el vino de Toro con Cristóbal Colón. Hay quien afirma que el nombre La Pinta se refiere a una medida de vino, lo cual no es descabellado si tenemos en cuenta que ese nombre se lo puso el toresano Fray Diego de Lesa, confesor de Isabel la Católica.

El Arcipreste de Hita, Góngora y Quevedo también citan al vino de Toro en sus textos.

Fue en 1987 cuando se creó la D.O Toro que abarcaba 16 municipios pertenecientes a Zamora y Valladolid. En la actualidad hay 62.000 hectáreas de terreno y 5500 hectáreas de viñedo inscritas en el Consejo Regulador, así como 62 bodegas al día de hoy.

Sin duda unos vinos con personalidad propia, elegantes y que han alcanzado reconocimiento y prestigio.

Amelia González-Román Cortés

The Square. El cuadro de la discordia y de la iluminación.

¿Qué decir de “The Square”, actualmente en las carteleras de España? Pues, por un lado decir que ganó la Palma de Oro en la última edición de Cannes y corre la voz que es la favorita en la carrera al Óscar en la categoría de mejor película extranjera. Y, por otro lado, decir que esta película del director sueco Ruben Östlund es muy “sueca” -o muy nórdica- si uno prefiere. Esa mezcla de modernidad y corrección política, esa aura que les rodea como los “iluminados” del mundo occidental … a mi entender, y con todos mis respetos, son características (entre otras) que definen nuestros vecinos del norte de Europa.Resultado de imagen de imagenes de The square película

Nuestro protagonista es Christian (el danés Claes Bang), director artístico de un importante museo de arte contemporáneo de Estocolmo, divorciado, padre de dos niñas, apuesto y algo despistado. Y también comprometido con los valores más progresistas. De palabra sí; sus acciones a veces le desmienten. Christian está inmerso en la promoción de la siguiente gran exhibición del museo: un cuadrado de 4 x 4 metros sobre el suelo (The Square) que representa un santuario donde reina la confianza y la humanidad, donde todas las personas y pueblos ostentan los mismos derechos y obligaciones. Pero su atención es desviada cuando le son sustraídos su cartera y teléfono móvil.

Ruben Östlund en este film nos obliga a cuestionar los pilares sobre los que las sociedades civilizadas se han edificado. Nos insta a examinar, sin pudor y con los ojos bien abiertos, los excesos -o quizás carencia de límites- y contradicciones que abundan en “The Square” y enjuiciarlos. El exceso del afán de Christian de recuperar su cartera y teléfono de la manera más absurda. (Y yo me pregunto porqué no se le ocurrió denunciar el hecho a la policía).  El exceso del poder de los social media que los publicitarios contratados por el museo explotan al máximo (aseguro que aquí la palabra “explotar”, en sus dos acepciones, es la más adecuada). La contradicción existente entre la obra vanguardista “The Square”, que aboga por la inclusión, y los bien intencionados promotores de la misma que parecen no ver -por no decir ignorar- los mendigos y la miseria a su alrededor.

La película es una sucesión de escenas y situaciones cada una más absurda, indignante o vergonzosa que la anterior. La entrevista a Julian Gijoni (el inglés, Dominic West), artista conceptualista que viste pijama y chaqueta americana en todas sus apariciones, acompañada de las “intervenciones” de una persona entre el público que padece del síndrome de Tourette; el jefe de los publicitarios -muy progre él ¡a su edad!- que asiste a las reuniones de trabajo acompañado de su bebé de pocos meses; el “compañero” de piso de Anne, una periodista novata de los Estados Unidos (admirablemente interpretada por la estadounidense Elisabeth Moss que debe tener ascendencia nórdica; se parece y mucho a una amiga mía sueca) que liga a Christian; la cena lujosa de gala de presentación de la exhibición de “The Square” en el museo cuyo “invitado” especial (el estadounidense, Terry Notary) tiene mucho que ver con el compañero de piso de Anne, …

Ruben Östlund y otro cineasta sueco Kalle Boman colaboraron en una instalación artística en el año 2014, y Östlund reconoce que de ahí brotó la idea para “The Square”. Me alegro. “The Square” tiene muchas cosas que decirnos. Runrunrun … Las vueltas que ahora doy en mi cabeza después de verla.

Diana Shoffstall

 

La Higuera de los Bastardos. Una mirada a nuestro pasado.

Ana Murugarren dirige “La Higuera de los Bastardos”, una comedia negra muy surrealista basada en la novela del Premio Nacional de Literatura, Ramiro Pinilla. La película se estrenó mundialmente en Holanda en el festival “Film by the Sea”, especializado en adaptaciones literarias, y puede verse en cines desde hoy 24 de noviembre.

Resultado de imagen de imágenes la higuera de los bastardos“La Higuera de los Bastardos” se sitúa al final de la Guerra Civil. Rogelio (Karra Elejalde) es un falangista que sale cada noche con sus compañeros a matar a cualquiera susceptible de ser “rojo” en la España de la postguerra. Un día mata a un maestro y a su hijo mayor ante la mirada del hijo menor, una mirada que se le quedará grabada a Rogelio y que cambiará por completo su vida. El niño entierra a su padre y a su hermano con sus propias manos y planta una higuera encima de su tumba.

Rogelio, convencido de que el hijo menor se vengará cuando crezca, decide abandonar a sus compañeros y se dedica al cuidado de la higuera con la esperanza de poder salvarse. Con el tiempo la higuera crece y el lugar se convierte en sitio de peregrinación por sus supuestos poderes de curación y Rogelio en un ermitaño santón.

Los personajes no tienen desperdicio:

– Ermo (Carlos Areces). Es el chivato, un personaje despreciable que también consigue provocarnos la carcajada. Piensa que bajo la higuera hay un tesoro y no se separa de Rogelio en ningún momento, siempre al acecho.

– Pedro Alberto (Mikel Losada). Cruel y violento. Hijo de las grandes familias de Neguri. Quiere vengar a su padre asesinado con lo que se dedica a limpiar el municipio de lo que él considera enemigos.

– Benito (Jordi Sánchez). Es el alcalde y hace lo que le dice su mujer. Vive en una casa que ha sido requisada y acogen en ella a Rogelio y sus compañeros.

– Cipriana (Pepa Aniorte). Mujer del alcalde, con un carácter fuerte y que no olvida sus orígenes como vendedora de pescado. Ella considera que Rogelio es un iluminado de la Virgen del Carmen y lo acaba convirtiendo en el santón de Getxo. Pepa Aniorte borda su papel.

El papel de Rogelio le queda a Karra como anillo al dedo. Está espléndido en la que puede llamarse una de sus mejores películas.

La banda sonora compuesta por Adrián Garcia de los Ojos y Aitzol Saratxaga nos traslada desde la sobriedad y dramatismo de las primeras imágenes hasta escenas humorísticas,  incluso esperpénticas, según va transcurriendo la cinta. La fotografía a cargo de  Josu Ichaústegui tiene algunos planos que son dignos de elogio.

En definitiva, una película que comienza de manera violenta tocando temas duros y que evoluciona de una manera totalmente diferente con situaciones hilarantes y hasta absurdas.

Amelia González-Román Cortés

Tocando al frente. El deseo irrefrenable de compartir.

Teatros Luchana incluye en su cartelera “Tocando al frente” los viernes a las 20:15 horas.

“Tocando al frente” es subtitulada “Un viaje a Argentina” y se anuncia como un monólogo con música en directo. Cierto, pero es también algo más . El actor nacido en Barcelona, Llorenç González, recrea durante unos 75 minutos su viaje iniciático -según él- a tierras argentinas hace unos meses.Cartel_preview

Es evidente que el actor quedó prendido de Argentina. Si uno no conoce todavía este país, esta “obra ” le podría servir de guía turística. Buenos Aires y sus barrios y ambientes: Palermo, Recoleta, La Boca, San Telmo, la Plaza de Mayo y el Obelisco, … Las cataratas de Iguazú y las provincias del noroeste, Salta y Jujuy, … La Patagonia, la península Valdés y su fauna, los glaciares, … Guía turística hablada e ilustrada con fotografías proyectadas al fondo del escenario para documentar el viaje.

Pero Llorenç González quiere transmitir más todavía. Nos canta y toca la guitarra, baila el tango, lee los cuentos inspirados en sus vivencias. Y hasta nos regaña tímida y suavemente por no saber viajar con conciencia, por prestar más tiempo a nuestros teléfonos móviles y a las fotos que nos aprestamos a sacar y compartir, que a las visiones que tenemos por delante.

No hay ninguna duda en cuanto a la pasión que ha impulsado al actor a compartir un viaje muy personal con los espectadores. Además, canta francamente bien, se mueve sobre el escenario con elegancia, el tango bailado (en pareja con una espectadora elegida al azar) es más que aceptable y el acompañamiento musical de Txema Cariñena es muy lograda.

Con mucho a favor y prácticamente nada en contra, “Tocando al Frente” es amable con el espectador, aunque quizás tenga mayor intéres para los incondicionales de Argentina, sean de donde sean, o para los Argentinos nostálgicos residentes en Madrid.

Aún así, para cualquier espectador hay peores formas de pasar la velada del viernes.

Diana Shoffstall

El autor. El juego de la creatividad.

No es fácil adaptar una novela a la pantalla. La historia del cine está llena de cineastas que han fracasado en el intento. Manuel Martín Cuenca, que dejó el listón muy alto con su anterior propuesta, “Caníbal”, lo consigue de manera razonable con “El autor”, su última película. Aquí, el director —y también guionista— adapta una novela corta de Javier Cercas, “El móvil”, una novela dentro de una novela, una reflexión acerca de la creación y sus retos.Resultado de imagen de im?genes el autor la pel?cula

Martín Cuenca sigue con cierta fidelidad la trama de Cercas, añadiendo dos personajes que no existían en el original: el primero, un profesor de escritura creativa (sensacional Antonio de la Torre en el papel), que le permite al cineasta incorporar de una manera fluida las reflexiones metaliterarias de la novela e introducir el leitmotiv de la película. El segundo, la esposa triunfadora e infiel (una desaprovechada María León), que sirve de contrapunto con su éxito (acaba de recibir un premio por una novela superventas) a la mediocridad como escritor del protagonista, Álvaro (Javier Gutiérrez), un oscuro y amargado empleado de notaría, que sueña con escribir una novela, una novela de verdad —en sus propias palabras—, no el subgénero que ha escrito su esposa.

Tras una catártica reprimenda de su profesor de escritura creativa, Álvaro decide inspirarse en la vida real, espiando a sus vecinos y componiendo con sus vidas los mimbres de su novela, llegando en su afán perfeccionista de representar de forma verosímil los conflictos en la ficción a provocarlos en la vida real, manipulándola, manejando a las personas como si de marionetas se tratasen, aunque sin sospechar que, a pesar de sus planes y maquinaciones, la realidad nunca es tan gobernable como la ficción y acabará afectando a su propia vida.

“El autor” contiene muchos aspectos destacables: una excelente dirección de actores, en las que además del protagonista brillan los secundarios (sensacionales Antonio de la Torre y Adelfa Calvo); una puesta en escena eficaz y minimalista: paredes y muebles monocromáticos, metáfora del horror vacui a la página en blanco; sonidos e imágenes veladas, apenas sombras, como fantasmas de vida, que nuestro autor graba y luego transcribe; un ritmo excelente —con frecuentes golpes de humor— que sólo decae un poco hacia el final, tal vez como prólogo contrapunto al sorpresivo desenlace. Y unas cuantas escenas de las que se pegan a la retina: el plano cenital del protagonista y la portera en la cama o la imitación del estilo de escribir de Hemingway —de pie frente a la mesa de trabajo con los atributos encima de ella—, por citar sólo un par de ejemplos.

Con esta película, Manuel Martín Cuenca vuelve a confirmar que es uno de los autores del panorama cinematográfico español al que merece la pena seguir la pista.

Carlos Sobrino

Los Vinos Jóvenes D.O. La Mancha aterrizan en Madrid

Resultado de imagen de imagenes vinos jóvenes DO La ManchaLos días 20 y 21 de noviembre los Vinos Jóvenes de La Mancha llegan un año más a Madrid con la intención de enseñar a profesionales y aficionados la calidad y personalidad de la añada 2017. Un año que ha venido definido por una menor cantidad de uva, pero de una calidad extraordinaria que se verá reflejada en los vinos elaborados.

El Círculo de Bellas Artes es nuevamente el lugar elegido para este evento. El lunes 20 de noviembre se abrirán las puertas desde las 11 de la mañana hasta las 20 horas. La primera jornada estará reservada a los profesionales (bodegueros, prensa, sumilleres, distribución, …).

Como viene siendo habitual, al final de este día, en la sala Fernando de Rojas, se hará entrega de los Premios Jóvenes, que reconocen la trayectoria de jóvenes promesas en los ámbitos del deporte, el arte y la comunicación. La ceremonia de entrega de los galardones comenzará a las 19:30 horas.

Durante la segunda jornada, el martes 21 de noviembre, en horario de 11 a 21 horas, será el público aficionado el que podrá disfrutar de los primeros vinos del año y así podrá valorar el trabajo realizado por viticultores y bodegueros durante este 2017.

(Extracto de Nota de Prensa)

 

 

Oro. Sigue caminando.

Agustín Díaz Yáñez vuelve a las pantallas con “Oro”, basada en un texto inédito de Arturo Pérez Reverte.

Resultado de imagen de imagenes oro la pelicula“Oro” es una aventura de época inspirada en las expediciones de los conquistadores del siglo XVI, Núñez de Balboa y López de Aguirre. Trata de una expedición formada por 30 hombres y 2 mujeres que se internan a través de la selva amazónica en busca de la mítica ciudad, que según se creía estaba hecha completamente de oro. Unos hombres que no temen arriesgar sus vidas por el preciado metal.

El elenco es de aúpa: Raúl Arévalo, Bárbara Lennie, Óscar Jaenada, José Coronado, Luis Callejo, Andrés Gertrudis, entre otros. Todos ellos están espléndidos.

El film no se ha datado geográficamente ni en cuanto a fecha ni lugar exacto para que todo pueda ser entendido en cualquier momento de la conquista. Es una película cruda, violenta. Las peleas son cortas y directas y cuando no están matando indios se están matando entre ellos, porque no había otra forma de resolver los problemas que con las armas. Los muertos se tratan como lo harían entonces, y la mujer tiene el papel que se le otorgaba en aquella época. La figura del escribano cuyo papel hace Andrés Gertrudis no tiene desperdicio.

Todo está contado como fue en definitiva, el contacto con los indios, sus creencias … , puede gustarnos o no, pero así fue, no hay héroes, solo un grupo de hombres desesperados que, sin saberlo, van a cambiar el curso de la historia y esto es lo que nos ha querido transmitir Agustín Díaz Yáñez.

La fotografía  a cargo de Paco Femenia es maravillosa; parece que podamos tocar la vegetación en esta selva amazónica rodada en los Montes de Anaga en Tenerife. Por otra parte, y aunque no lo parezca, hay una selva de plató con un resultado espectacular.

La música a cargo de Javier Limón consigue trasladarnos a la selva amazónica, incluso suena un violín iraquí. Tampoco hay que olvidar vestuario y maquillaje que contribuyen a la ambientación.

En definitiva, una película que está dando que hablar.

Amelia González-Román Cortés

Hacia la luz. Exceso de azúcar.

Resultado de imagen de imagenes de hacia la luz peliculaNaomi Kawase aborda en su última película, “Hacia la luz”, dos temas que a priori tienen gran interés: uno es el drama de la pérdida de visión, en especial para alguien que vive por y para la imagen; el otro es la dificultad de transmitir con palabras la vida, en este caso recrear en la cabeza de personas invidentes lo que ocurre en una pantalla de cine a través de audiodescripciones.

¿Qué puede ser más duro y doloroso para alguien dedicado a la imagen que perder la vista? Nakamori (Masatoshi Nagase) es un afamado fotógrafo que se enfrenta a la pérdida progresiva e irreversible de la visión, una situación desconcertante y terrible que le obligará a abandonar su trabajo, su forma de vida —no sólo en lo económico, sino en cuanto razón existencial— y deshacerse de su cámara —una mítica Rolleiflex— y de sus fotografías y negativos, en una subyugante escena.

Misako (Ayame Misaki), una joven y un tanto novata escritora de audiodescripciones para espectadores con impedimentos visuales, intenta hacer su trabajo lo mejor posible para mostrar lo que aparece en la pantalla al público invidente. Pero ¿cómo se puede transmitir la vida a través de la palabra? Este no es un problema fácil y también se da en la literatura. ¿Cómo se consigue? Pues a través de una sabia combinación de detalles relevantes que recreen la acción en la mente del lector —o del espectador invidente, en este caso—, en forma de sueño vívido y continuo que les haga sumergirse de lleno en lo narrado. Es lo que pretende Misako y para perfeccionar su trabajo realiza sesiones de prueba con grupos de invidentes.

Fotógrafo y escritora coinciden en una de esas sesiones y se produce un choque frontal entre ellos, muy en el estilo del clásico chico-conoce-a-chica, con lo que todos sabemos de antemano cuál será el final de la historia.

”Hacia la luz” fundamenta toda su fuerza en sus imágenes, donde la historia pesa menos que las emociones que nos transmiten, especialmente en unos bellísimos y acertados primeros planos que a este crítico le han traído a la memoria el “Zabriskie Point” de Antonioni, dicho esto como un halago a la directora, y que nos cuentan —más allá de las palabras, a veces innecesarias por obvias, repetitivas e incluso sonrojantes de tan empalagosas— una hermosa historia de amor entre un fotógrafo que está perdiendo la visión y las ilusiones y una joven escritora de gran corazón. Todo ello salpimentado por la música minimalista de Ibrahim Maalouf, que a algunos les podrá parecer rayante.

Carlos Sobrino

El Avaro de Molière. El teatro en estado puro.

Karpas Teatro apuesta “por los valores tradicionales del teatro” y su apuesta es ganadora.

Su producción de “El Avaro” de Molière, actualmente en cartel de jueves a domingo, es simplemente genial. La adaptación y dirección de la obra corre a cargo de Manuel Carcedo Sama, fundador y co-director de Karpas Teatro, y de la propia compañía de Karpas procede la mayoría de los actores.

Resultado de imagen de imagenes de El Avaro de Karpas TeatroEl atractivo de la obra reside en su atemporalidad. No olvidemos que la avaricia es uno de los siete pecados capitales, esos vicios que son un lastre para la humanidad, entorpeciendo el progreso y la causa de mucho sufrimiento e infelicidad. Pero Molière supo trascender la moral cristiana origen de los siete pecados capitales y escribió una comedia de enredos y de amores cruzados que gira alrededor del avaro Harpagón. Y Teatro Karpas, a su vez, ha sabido darle un toque de colorido que seduce y conquista a los espectadores.

El escenario de Karpas Teatro es pequeño y el aforo de la sala es limitado. Pero recuerdan que el tamaño no importa. Los personajes vienen y van sobre el escenario, cada uno magistralmente interpretando a su personaje. Los gestos son amplios, exagerados. Los andares son expresivos. El ritmo no decae y la sonrisa y la carcajada siempre está presente entre el público.

Un sobresaliente en cuanto a la caracterización de los personajes. Las pelucas, ¡hay que verlas! El vestuario, ¡perfecto! Piensen que el actor Rubén Casteiva interpreta al viejo, viudo y vil Harpagón y Rubén Casteiva no ha cumplido ni siquiera 30 años.

Como decía al principio, Karpas Teatro apuesta por el buen teatro y hace una importante labor de apoyo a la cultura teatral con su oferta de teatro infantil y las funciones para escolares, así como para el público adulto. Obras de García Lorca, López de Vega, Jardiel Poncela, Mihura, Gala, Ibsen, T. Williams, … y esta estupenda, divertida y burlona obra de Molière.

El buen teatro, el teatro que se hace no solamente con profesionalidad sino también con ilusión, también es atemporal. Enhorabuena Karpas Teatro y muchas gracias.

Diana Shoffstall