Todo el dinero del mundo. Nunca es suficiente el dinero, pero en este film sobra talento

Resultado de imagen de cartel all the money in the worldAll the money in the world (título original en inglés de este largometraje) nunca es suficiente y no lo fue para que John Paul Getty III, de 16 años, fuera devuelto a su familia “íntegro”.

El muy británico Ridley Scott (nombrado caballero por la reina Isabel II en 2003) y, a la vez, muy hollywoodense (director de Alien, Blade RunnerThelma y LouiseGladiatorThe Martian, entre otros films) ahora nos trae Todo el dinero del mundo, un thriller sobre el secuestro de John Paul Getty III, nieto del magnate multimillonario John Paul Getty, que tuvo lugar el 10 de julio de 1973 en Roma. Con guión de David Scarpa, inspirado en el libro Painfully rich: The outrageous fortunes and misfortunes of the heirs of J. Paul Getty del escritor inglés John Pearson III publicado en el año 1995, la película se ciñe con bastante fidelidad a la realidad, siguiendo los desesperados pasos de Gail Harris, madre del joven, divorciada de su padre John Paul Getty II y tomada en muy poca consideración por su ex-suegro, para reunir el dinero del rescate exigido por los mafiosos italianos autores del secuestro (en un principio 17 millones de dólares, cantidad que fue rebajada hasta quedar finalmente en algo menos de la sexta parte de la suma inicial).

Los esfuerzos de Gail Harris para recuperar a su hijo (con la ayuda de Fletcher Chase, un ex-agente de la CIA y hombre de confianza del patriarca) es una de las tres historias contadas por Ridley Scott. La segunda es el día a día del joven secuestrado en las manos de sus raptores. Y la tercera se centra en la figura del abuelo que era la única persona que tenía el dinero necesario para pagar el rescate (y, de hecho, los mafiosos secuestraron a su nieto porque creían que el abuelo pagaría sin rechistar). ¡Que craso error! El magnate notoriamente argumentó que tenía 14 nietos y que si pagaba el rescate de uno de ellos, los demás serían secuestrados y se sucederían nuevas demandas. Cuando finalmente accedió a aportar una cantidad, eligió la cantidad que sería deducible en sus impuestos.

Realmente merece la pena leer sobre John Paul Getty, sus negocios y su familia, y sobre el secuestro de su nieto (y la vida posterior del mismo hasta su muerte en el año 2011 con 54 años de edad).

Pero centrémenos en la película que está bien construida y que cuenta con excelentes actores. El joven estadounidense Charlie Plummer en el papel del nieto, Michelle Williams como la madre, Mark Wahlberg encarnando al ex-agente de la CIA que se pone al servicio de la familia y, sobre todo, Christopher Plummer (ningún parentesco con el primer nombrado) como el patriarca.

Muchos espectadores sabrán que el papel del magnate era de Kevin Spacey y que prácticamente había finalizado el rodaje cuando estalló el escándalo sexual alrededor del actor estadounidense de 58 años. Kevin Spacey fue apartado de la película y Christopher Plummer, canadiense de 88 años, le reemplazó. La interpretación de Christopher Plummer es magnífica. Tanto es así que está nominado para el Oscar este año como mejor actor secundario. Veremos si es ganador o no dentro de unos días.

Sea como fuere, todos los actores (los principales aquí nombrados, como otros en papeles menores) cumplen con creces su cometido en una película bien hecha de un gran profesional del celuloide. El dinero no es suficiente, pero en Todo el dinero del mundo sobra el talento.

¿Qué más podemos esperar?

Distribuida por Diamond Films España, Todo el dinero del mundo, se estrenó en los cines de España el pasado día 23 de febrero de 2018.

Diana Shoffstall

Anuncios

La forma del agua. Despertando sentimientos dormidos a través de un bello cuento-homenaje

Nos sorprende de nuevo, salvando los clásicos del terror sobre monstruos con corazoncito, el ya consagrado director mejicano Guillermo del Toro, especialista y casi podríamos coronarlo rey en el fascinante género de terror y fantástico.

La forma del agua

Una vez más Guillermo hace también de guionista, junto a Vanessa Taylor (guionista ésta de la saga Divergente y de las series Juego de Tronos y Alias). Quizás sea esta su obra más íntima y a la vez bella, tierna y emotiva. También me atrevería a calificarla de original, por el hecho de rescatar las ya clásicas criaturas de las películas de terror de los primeros años del cine y que, vistas ahora, nos podrían llegar a parecer cutres y casi cursis (en mi opinión personal y respetando todos los gustos). Con un ritmo narrativo de extraordinaria belleza y sencillez, nos transmite un cariño y comprensión hacia los diferentes nada desdeñable. ¡Gracias por ello Guillermo!

Es una historia que se deja ver y que enamora, con unas dosis de sencillez y humildad muy de agradecer. La sinopsis, brevemente y sin spoilear, sería: mujer limpiadora con vida triste y solitaria se cruza en su camino con una criatura prisionera y torturada, y entre ambos surge una bella historia, que podríamos calificar de amor, en parte imposible, que desembocará en un final a la par alegre y triste. Otra historia de nuevo, de sentimientos encontrados, al igual que la también reciente y maravillosa, Tres anuncios en las afueras. Me chiflan estas películas en parte autointerpretables y en parte abiertas, que hacen al propio espectador medio guionista y que además invitan a la reflexión. Espero que más películas futuras recojan el testigo de estas dos maravillosas obras.

En el apartado interpretativo, destacan cuatro actores con sus personajes creíbles y humanos al 100% (extraña criatura incluida). Esto es:

1) Sally Hawkins como la limpiadora protagonista Elisa Esposito. Actriz casi desconocida para mi pero con una gran proyección.

2) Michael Shannon como el agente sin escrúpulos Richard Strickland. Tiene en su mochila dos apasionantes títulos: Take shelter y Animales nocturnos.

3) Octavia Spencer como la compañera de trabajo de Elisa. Simpática y más que correcta intérprete, protagonista recientemente de Figuras ocultas.

4) Doug Jones como la criatura anfibia, a la que curiosamente creo recordar no ponen nombre, ni siquiera su querida y protectora Elisa. Este actor, al que podríamos definir de monstruo camaleónico por ser el que se ha metido en la piel de todas las creaciones de Guillermo: Hellboy, El laberinto del fauno y, en breve, Nosferatu (¡jo, qué ganas!).

Producción, fotografía, vestuario y efectos cumplen con creces. Apartado musical, también a la altura. El encargado de la banda sonora original es esta vez el francés Alexandre Desplat, responsable de las bandas sonoras de títulos como Argo, El discurso del reyPhilomena y The queen.

Poco más que decir. Ya sabéis que siempre que tengo ocasión, y más cuando me gusta la peli, me explayo bien a gusto …

Iván García Ventosa

La enfermedad del domingo. Querer más aún cuando más no es suficiente

¿Qué impulsará a una mujer buscar a su madre y pedirle que pasen diez días juntas después de que la progenitora hubiese abandonado a su hija (y a su marido) hace 35 años cuando la niña tan solo tuviera 8 años?

Resultado de imagen de cartel oficial la enfermedad del domingoEl director y guionista malagueño Ramón Salazar dijo -de cuerpo presente-, en la función de pre-estreno de La enfermedad del domingo a la que asistí, que él había pensado en Susi Sánchez para el papel de la madre Anabel desde el principio y que tardó dos años en escribir el guión y que lo hizo con la complicidad de la actriz valenciana. Tampoco dudó en elegir a Bárbara Lennie para encarnar a Chiara, la hija abandonada, aún consciente que el personaje de Chiara tiene diez años más que la joven actriz.

Providencial la elección de Susi Sánchez y de Bárbara Lennie. Ambas actrices son formidables interpretando unos personajes herméticos. Los silencios, las miradas, las posturas de sus cuerpos transmiten tanto o más que las palabras habladas. Y aún así, quedan muchas preguntas sin contestar.

Ramón Salazar hizo sus comentarios antes de que viéramos la película. Al término de la misma -de casi dos horas de duración- yo pensé para mis adentros que este realizador debe haber sudado sangre en su labor de escribir el guión para una película en la que abundan las escenas en las que no hay diálogo, ni música de fondo, ni apenas movimiento. Escenas estáticas y cuyo significado es un ejercicio de libre albedrío para cada espectador. Los diálogos son parcos. Las frases cortas, secas. Hasta los escenarios son tristes (aunque también bellísimos). No recuerdo apenas planos en que brilla el sol. Madre e hija habitan juntas la casa solitaria en lo alto de las montañas. Es otoño o el comienzo del invierno. Hace frío y los árboles han perdido sus hojas. Madre e hija se visten de los colores apagados de otoño e invierno: gris, negro, marrón, beige, verde oscuro, … Colores sin color y palabras habladas que esconden tanto significado como el que revelan. Y finalmente las palabras susurradas cuyo significado únicamente Anabel y Chiara pueden comprender.

La enfermedad del domingo es una película compleja, con personajes complejos cuyas relaciones son complejas. Una de las acepciones de la palabra “complejo”, según el diccionario de la lengua española de la Real Academia y referida a la psicología, es la siguiente: “conjunto de ideas, emociones y tendencias generalmente reprimidas y asociadas a experiencias del sujeto que perturban su comportamiento”.

No sabremos con seguridad hasta qué punto las emociones reprimidas y las experiencias perturbadoras han determinado el comportamiento de Anabel y de Chiara. Quizás la respuesta es más sencillo. Cuando su ex-marido, el marido al que abandonó, le pregunta a Anabel porqué lo hizo, ella contesta que quería más -que quiere más-, pero añade en seguida que nunca es suficiente.

Chiara también quería más. Ella sí logró que fuese suficiente.

La enfermedad del domingo está exhibiéndose en las salas de cine de España desde el día 23 de febrero de 2018. La película se presentó en la 68ª edición de La Berlinale, que acaba de finalizar, en la sección Panorama, donde tanto las obras de nuevos creadores como las de los veteranos tienen cabida.

Diana Shoffstall

Sorteo de una entrada cúadruple para Bella y Bestia: El musical en el Teatro Maravillas

Después de triunfar con El Mago de Oz y Alicia en el País de las Maravillas, la compañía Mundiartistas pone en pie otro musical pensado especialmente para los pequeños espectadores. Esta adaptación de La Bella y la Bestia es una versión modernizada de la clásica historia de amor donde la belleza está en el interior. Bella y Bestia. El musical es un espectáculo donde hay humor, pero también canciones que suenan a pop, a rock y a soul.

Una versión libre del cuento original de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont que recoge elementos de las adaptaciones cinematográficas más famosas para crear una historia tan emocionante como divertida para todos los públicos. Una carta de amor al poder transformador de los cuentos con 7 canciones originales, humor para toda la familia, proyecciones audiovisuales y una cuidada puesta en escena que sorprenderá a aquellos que estén preparados para recibir otra visión del clásico.

El Teatro Maravillas quiere que nuestros lectores y seguidores tengan la oportunidad de verla en familia, teniendo la gentileza de que sorteemos una entrada cuádruple para la función matinal del día 4 de marzo a las 12:30 entre todos vosotr@s. Os explicamos a continuación los requisitos del sorteo.

–  Seguir a @TMaravillas y @olescreen en Twitter

–   Retuitear este post

Comunicaremos el afortunado/a el día 1 de marzo y recordad que es cuádruple (4) para que podáis disfrutarla en familia …

¡Mucha suerte a tod@s!

Os dejamos la web del Teatro Maravillas para que podáis consultar su magnífica y variada programación:

 

La esfera que nos contiene. Los guardianes de la educación

La esfera que nos contiene es una obra escrita y dirigida por Carmen Losa que contó desde sus inicios con la colaboración y complicidad de los actores Leyre Abadía e Ion Iraizoz. Fue candidata a los premios MAX 2017 como espectáculo revelación. Después de su paso el año pasado por el Teatro María Guerrero y otros escenarios, La esfera que nos contiene, descrita por sus creadores como teatro-documental, ha llegado a la Sala Mirador.

La esfera que nos contieneEsta obra, sobre los maestros y maestras de las primeras décadas del siglo XX y los primeros años de la Segunda República, toma su título de un fragmento de una novela de Josefina Aldecoa del año 1990, Historia de una maestra: “Nunca han oído estos niños una explicación sobre el lugar que ocupa la Tierra en el Universo, Europa en la Tierra, España en Europa. Creo que ni siquiera están seguros del punto de España en que se encuentran. Les entusiasma el descubrimiento de los movimientos de la Tierra, el paso del día a la noche, la marcha de las estaciones. He encargado a Lucas, el mandadero, el guía que me trajo, un globo terráqueo”.

En la obra son los maestros Manuela y Julián que pronuncian estas palabras. Novios y después matrimonio, ambos luchadores y persistentes. Tuvieron que serlo a la fuerza, pues, para conseguir la titulación necesitaron años en vista de los numerosos cambios en las leyes que se produjeron a causa de los vaivenes constantes de la política educativa en España. Pero finalmente, Manuela y Julián, con sus títulos en la mochila, llegan al pueblo de Villanueva, cualquiera de los muchos pueblos de España llamados Villanueva. Son felices llevando a cabo su labor y recibiendo el agradecimiento de muchos de los lugareños, padres e hijos, hasta que la Guerra Civil trunca cruelmente sus ilusiones y sus vidas.Resultado de imagen de imagenes de la esfera que nos contiene sala mirador

El hilo conductor de la obra es la labor que desempeñaban los maestros y maestras de la época y los altibajos y contratiempos que padecían por parte de los gobernantes civiles y eclesiásticos, y aún así la mayoría no desfallecían en sus esfuerzos por llevar el conocimiento a los niños y ampliar sus horizontes. Leyre Abadía e Ion Iraizoz no solo interpretan a Manuela y a Julián; los dos actores asumen el papel de un total de 15 personajes relevantes a la historia (un falangista, un cardenal, una maestra anónima pronunciando un discurso vehemente en favor de la educación libre y universal, o los niños en las aulas, entre otros). Y su historia es reforzada con imágenes proyectadas sobre el fondo del escenario con textos y voces en off.

O sea, no estamos ante una obra de teatro tradicional, sino ante el teatro-documental, como se ha dicho. Unas estampas compuestas de personas de carne y hueso que representan miles de maestros y maestras que en muchos casos fueron represaliados durante y después de la Guerra Civil, algo que La esfera que nos contiene deja patente.

La obra se sigue con interés aunque en esta espectadora no hizo brotar una reacción emocional. Para mi ver la obra era más bien un ejercicio intelectual y didáctico, debido quizás en parte al formato, una sucesión de escenas -algunas muy cortas y no en orden cronológico -, separadas por las susodichas imágenes proyectadas y voces en off.

Aún así, una obra que sin duda nuestros mayores y el personal docente de hoy en día pueden apreciar y que para todos -mayores y jóvenes, de cualquier condición y profesión- es una llamada de atención para que demos la importancia que se merece a la educación y a sus guardianes.

Para más información sobre horarios y entradas de La esfera que nos contiene, consultad la página web de Sala Mirador:

http://lamirador.com/

Diana Shoffstall

Tres anuncios en las afueras. Combatiendo la resignación y desidia

Fabulosa y fascinante historia, totalmente creíble, y en gran parte aleccionadora, ésta que nos narra su director y guionista Martin McDonagh.Cartel España de 'Tres anuncios en las afueras'

Es una película que rebosa de cruda realidad por los cuatro costados. Creo que viene a expresar el sentir de una madre que pierde a su hija en un violento y cruel crimen que sigue sin resolverse. Describe perfectamente la sensación de ira, soledad, impotencia y frustración que sufre la pobre y desolada mujer. Sin entrar en más detalles del argumento, opino que el ritmo y crudeza de la narración son realmente magníficos.

Sorprenden igualmente las inesperadas reacciones de los personajes, que actúan con una autenticidad e imprevisibilidad que te dejan descolocado en muchas ocasiones. Es de destacar los inesperados giros que sufre la historia, a veces ironías del destino, que convierten a perfectos desconocidos (e irreconciliables enemigos en principio) en extraños compañeros de viaje (y casi amigos). Habla sobre nuestros agridulces sentimientos, y sobre todo, creo que ahonda en el perdón y la expiación, ambos sentimientos encontrados, pero difíciles de ver, y menos en el cine.

La parte crítica sobre la desidia y a veces complicidad cuasi criminal de gran parte de las instituciones del estado queda reflejada en la réplica al cura sobre la iglesia y su permisividad con la pederastia interna; en la mala y escasa cualificación y nulo celo de la policía, que da más imagen de matones desestructurados que de agentes de la ley; y sobre todo, en la defensa férrea, hermética e impenetrable del ejercito de los crímenes más abyectos de algunos de sus miembros, amparándose, encima, en su espíritu de sacrificio por la defensa del país y sus más elevados derechos. Pura ironía y crítica necesaria por muy incómoda y doliente que nos parezca.

Volviendo de nuevo al apartado técnico, sobre la dirección, recordar que es una co-producción británica-americana de Martin McDonagh, director que no destaca especialmente por sus anteriores trabajos británicos pero que es siempre bien acompañado de actores tan consagrados como Collin Farrell y Brendan Gleeson (una de mis grandes debilidades, este pedazo de actor). Los actores de Tres anuncios en las afueras, los tres principales Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, soberbios no, ¡lo siguiente! Destaca y brilla con luz propia Sam Rockwell (remake Poltergeist), actor con poca mochila hasta la fecha y que esperemos sea pródigo a partir de ahora. Otra breve pero intensísima actuación la protagoniza nuestro amigo de Juego de tronosPeter Dinklage, con un personaje que rebosa bondad y humanidad, pero que no tiene pelos en la lengua para decir verdades como templos. ¡Te enamoras de él nada más verle!

Merecen mención igualmente tanto la fotografía, como el maquillaje y los efectos especiales. Apartado aparte merece la potente banda sonora que te sumerge en la historia como pocos músicos han logrado. Su autor, el no demasiado conocido Carter Burwell, creador entre otras de las bandas sonoras, muy recomendables también, de Fargo y Valor de Ley.

A destacar:

– Imprescindible vérsela en VOSE, por sus frases, por la magnífica dicción de los actores, y por escuchar la voz dura y desgarradora de Woody Harrelson.

– Me quedo con la frase, que bien podría ser el leitmotiv de la película “anger only begets anger” (“la ira sólo engendra ira”) y que podemos aplicar a tantas otras más propias de nuestras latitudes como “el mal sólo engendra mal”, “la violencia sólo engendra violencia” o “la miseria sólo engendra miseria”. ¡Ahí queda eso! Aviso a nuestros gobernantes.

En definitiva, una peli como pocas, una perla salvaje de esas de las que se encuentran pocas en el mar hoy día. Un mordisco de cruda realidad, de esa realidad que nos duele, y que desgraciadamente nos recuerda a la más reciente actualidad, la de los sádicos crímenes sin resolver que a veces nos hacen plantearnos si se está persiguiendo y combatiendo el crimen, … o lo consienten y no destinan los esfuerzos y recursos necesarios.

Esa es mi reflexión, y el debate que me inspira esta, repito, joya de película que sabe empatizar como pocas.

Iván García Ventosa

Deber cumplido. Una punzada certera al corazón y a la conciencia

Los Estados Unidos de América es un país que no rehúsa la guerra. Hay quien, con sus investigaciones, afirma que desde su fundación en el año 1776 con la firma de la declaración de independencia (aunque la guerra de independencia de las colonias contra el Reino de Gran Bretaña finalizó en el año 1783) los Estados Unidos de América ha estado en guerra cerca del 95% de los años de su existencia. Guerras internas contra los nativos de esas tierras, guerras contra sus vecinos, la guerra civil , las guerras mundiales y, más recientemente, las guerras sangrantes de Vietnam, Iraq, Afganistán y Siria (aún permanecen tropas de los Estados Unidos en estos últimos dos países), entre muchos otros conflictos. Un país en guerra y miles de víctimas.

Víctimas-civiles, víctimas-combatientes, víctimas-sobrevivientes. Y entre estos últimos, los soldados que retornaron a los Estados Unidos después de los conflictos, algunos mutilados físicamente y muchos, quizás la mayoría, con sus vidas truncadas con la aparición silenciosa y perniciosa del trastorno de estrés postraumático.

Resultado de imagen de imágenes de deber cumplidoJason Dean Hall fue nominado al Oscar en la categoría de guión adaptado para la película El francotirador (2014). Ahora debuta como director de Deber cumplido, sobre la vida de soldados a su retorno de casa después de combatir en Iraq. Nuevamente es el guionista, basando esta historia en el libro de título homónimo (en inglés, Thank you for your service) de David Finkel, un escritor premiado con el Pulitzer por sus reportajes de investigación y autor de un libro anterior titulado The Good Soldiers, también sobre la guerra de Iraq.

No intervienen en esta película grandes estrellas de cine (quizás el nombre que más suene es el de Amy Schuman, conocida sobretodo por su faceta cómica y aquí en un papel menor como la viuda de uno de los soldados). Mejor. Porque así no asociamos sus caras con ningún personaje anterior de éxito y podemos verlos como las personas que representan, personas reales que luchan por sobreponerse a sus tragedias personales.

Centrales a esta historia son Adam (Miles Teller) y su mujer Saskia (Haley Bennett). Adam es un soldado condecorado y, a pesar de las pesadillas que le atormentan, tiene fuerza suficiente para intentar ayudar a otros compañeros de su unidad que también se han reincorporado a la vida civil. Deber cumplido no es una película sobre la guerra (incluye unos pocos flashbacks de sus experiencias en Iraq para situarnos en las cabezas de Adam y de sus compañeros Tausolo (Beulah Koale), Billy (Joe Cole) y Emory (Scott Haze), sino una película sobre la post-guerra. Sobre la incomprensión de muchos de sus conciudadanos (porque por cada ciudadano de los Estados Unidos de América que apoya fervientemente las fuerzas armadas y los veteranos, hay otro que se opone sin tregua a las intervenciones militares y, por ende, demonizan a las personas que hayan participado en ellas) y sobre el abismal fracaso del gobierno de los Estados Unidos de América y de su Departamento para los Asuntos de los Veteranos para, en primer lugar, reconocer durante años la existencia del trastorno de estrés postraumático (como ignoró, también, las consecuencias tóxicas y duraderas del llamado “agente naranja” utilizado en la guerra de Vietnam) y, después, abordar la cuestión por falta de fondos y de apoyo político.

Deber cumplido nos acerca a esta cuestión, a través de los ojos de unos pocos veteranos y sus familias, y lo hace con sencillez y sensibilidad, sin tapujos ni sensacionalismos. Jason Dean Hall narra la historia de Adam, Tausolo, Billy y Emory y sus familias sin un exceso de sentimentalismo. Son los actores que, con sus interpretaciones, nos dan la punzada directa al corazón y a la conciencia.

Distribuida por DeAPlaneta, Deber cumplido se está exhibiendo en los cines de España desde el 16 de febrero de 2018.

Diana Shoffstall

Sorteo de una entrada doble para El Reencuentro en Teatro Maravillas

Hoy 14 de de febrero de 2018 se estrena en el Teatro Maravillas la obra El reencuentro de Ramón Paso. Es el regreso de Amparo Larrañaga a escena, junto con María Pujalte, con la que ya compartió ese mismo escenario en Hermanas. Les dirige Gabriel Olivares (Burundanga o El nombre, entre muchas otras), con texto de Ramón Paso (Usted tiene ojos de mujer fatal … en la radio).

La familia sirve para los buenos momentos, para los regulares, para los malos, y para hacerle todo aquello que nunca le harías a un desconocido, por miedo a las consecuencias.

El reencuentro es la historia de dos hermanas completamente diferentes. Una de ellas, una triunfadora, virtuosa del violín y que considera las relaciones sociales el hipócrita divertimento de los que no tienen nada mejor que hacer; y la otra, una pobre perdedora llena de paciencia y de carencias afectivas. Ahora, después de veinte años enfadadas por tonterías – y por cosas que no son tonterías, aunque ellas todavía no lo sepan – se vuelven a ver las caras en un duelo divertido y gamberro, donde tendrán que superar su pasado para poder tener un futuro. ¿Es mejor quererse o matarse? ¿O una mezcla?

Gracias al Teatro Maravillas sorteamos una entrada doble entre todos nuestros lectores y seguidores para la función del viernes 23 de febrero a las 21h.

Los requisitos del sorteo son:

– Seguir a @Tmaravillas y @olescreen en Twitter

– Retuitear este post

El sorteo estará activo hasta las 10 de la mañana del día 22 de febrero y comunicaremos el afortunado/a al mediodía.

¡Mucha suerte a tod@s!

Os recordamos que podéis consultar la estupenda y completa programación del Teatro Maravillas en:

http://www.teatromaravillas.com/

Las preciosas ridículas. El manierismo mordaz de Molière

Teatro Karpas ha estrenado hace poco una nueva producción de otra obra de Molière, mientras sigue en cartel, ante la buena acogida del público, su producción de El Avaro.

En esta ocasión se trata de la sátira Las preciosas ridículas, que se representó en París en el Théâtre du Petite-Bourbon ante el rey Luis XIV en el año 1659. El regocijo manifestado por el rey proporcionó a Molière el patrocinio y contribuyó a la consolidación de su reputación.

Resultado de imagen de imagenes de Las preciosas ridículas Teatro KarpasLas preciosas ridículas de la obra son las primas Madelón y Cathos, provincianas pretenciosas que han sucumbido a los excesos de las posturas preciosistas burguesas de la época. Gorgibus, el padre de Madelón, las ha trasladado a París, y pretende casarlas. Ellas alegan una falta de refinamiento en los caballeros La Grange y De Croissy y estos, ante el desaire de las damas, urden su venganza, enviando a sus criados quienes se presentarán ante Madelon y Cathos como el Marqués de Mascarilla y el Vizconde de Jodelet con la misión de no solamente igualar la afectación de ellas sino superarla, deslumbrándolas y dejándolas, como no, en ridículo.

Dirigida por Manuel Carcedo Sama, con Las preciosas ridículas, la compañía del Teatro Karpas nos da una nueva muestra de su devoción a la comedia clásica, aunque esta obra quizás la podamos calificar como obra menor de Molière. El espectador se divierte desde luego. Los movimientos, gestos y muecas, cada cual más exagerado y más ridículo. Los personajes, más que hablar, declaman, también con la misma exageración preciosista. Molière quería burlarse y lo consigue. Pero me alegro de que la obra no sea más larga de lo que es (dura unos 75 minutos). Uno no puede reírse más tiempo y la afectación de los personajes podría llegar a ser cansina. Aún así, Teatro Karpas mantiene el constante de la excelencia con Las preciosas ridículas.

Siendo un espacio de reducido tamaño, Teatro Karpas ofrece en primer lugar unas butacas cómodas, algo que el espectador agradece. Y en segundo lugar la puesta en escena de sus obras es muy acertada y Las preciosas ridículas no es una excepción. Unas sillas, una mesa, cortinas que abren o cierren y que sirven de puertas o de ventanas, … Un atrezo que nos traslada perfectamente al lugar y al momento de la obra. ¡Y qué decir del vestuario y la caracterización de los personajes! Ingenioso, original, atractivo y atrayente.

Dos obras de Molière en cartel. Todo un lujo. ¿Y qué nos traerá Teatro Karpas en el futuro? Algo he oído de una tragedia griega …

Para más información sobre Teatro Karpas y su programación, pueden consultar la página web:

https://www.karpasteatro.com/

Diana Shoffstall

 

 

Call me by your name. Despertar al amor

Call me by your name es una historia del despertar al amor que no deja indiferente a nadie.

Dirigida por el italiano Luca Guadagnino (acostumbrado a trabajar en inglés, una de sus actrices predilectas es la siempre interesante Tilda Swinton. Su próximo proyecto en común es la película Suspiria), y con guión (basado en el libro de André Aciman de título homónimo) de su eminencia James Ivory, que a sus 89 años ha pasado a ser guionista siguiendo una carrera como director reconocido (A room with a viewHoward’s endRemains of the day), Call me by your name es uno de los largometrajes llamado a llevarse algún Oscar en las próximas semanas. Está nominada en cuatro categorías: mejor película, mejor guión adaptado (James Ivory), mejor actor principal (Timothée Chalamet) y mejor canción (Mystery of love de Sufjan Stevens).

Cartel Póster 'Call Me By Your Name' de 'Call Me By Your Name'Años 80. Elio (Timothée Chalamet) es un joven de 17 años pasando el verano en la casa de campo que posee su familia en el norte de Italia. Es hijo único y se ha criado en un ambiente privilegiado. De ascendencia judía y raíces diversas, sus padres le han legado a Elio su pasión y respeto por la cultura y los conocimientos. Arropado por sus padres, Elio es un joven sensible, habla con fluidez tres idiomas, lee con avidez, tiene habilidades para tocar el piano y transcribe la música que escucha incesantemente. Con la llegada a la casa de Oliver (Armie Hammer), un atractivo y carismático estudiante de posgrado que pasará el verano con la familia como ayudante del padre de Elio, un abanico de posibilidades aún inexploradas se abrirá para Elio.

Timothée Chalamet, como Elio, nos regala una interpretación magistral en Call me by your name. Elio es inteligente y, en muchos aspectos, avanzado en su desarrollo debido a su entorno. Pero sigue siendo un chico de 17 años que aún no ha descubierto su vocación de futuro, ni su singularidad como persona. Oliver es como un imán que le atrae, pero que le asusta. Y si bien en un principio es Oliver quien también resiste, finalmente sucumben, gozosamente, ambos. Ciertamente, esta historia de atracción y enamoramiento, de descubrimiento y pasión, de plenitud y pérdida es realmente bella en algunas secuencias. El rostro de Elio, su cuerpo, sus prontos y retraimentos, expresan con dolorosa autenticidad su vulnerabilidad y su inseguridad, pero también su fortaleza y resiliencia. Los últimos planos de la película (cuando están pasando los créditos) no hay que perderlos. Vislumbramos en la cara de Elio el brote de entendimiento racional y el asomo a la madurez emocional.

Armie Hammer es muy atractivo, muy guapo, y, como Oliver, es imponente su simple presencia. Oliver cautiva a todas las personas que le rodean. Al padre y a la madre de Elio, a la cocinera/empleada de la casa, al viejo jardinero, así como a las múltiples amistades de verano, hombres y mujeres, de Elio y de su familia. Pero Oliver también seduce a Elio. Y he aquí el punto de malestar que yo he sentido. Por muy bella que es la historia de amor entre Oliver y Elio, por muy respetuosa y delicada es el tratamiento de esa historia de amor, esta espectadora se ha incomodado con esa relación. Yo veía a Oliver como un invitado aprovechado. Encantador sí, pero el encanto es una característica de doble fila. La diferencia en edad entre Oliver y Elio también me inquietaba. Yo discernía, detrás de ese encanto de Oliver, a una persona egoísta y falsa. Su inicial reticencia a iniciar una relación con Elio, no impidió a Oliver proseguir, a sabiendas que lo que para él sería una aventura de verano, para Elio sería un punto de inflexión en su vida.

Aún con esta reflexión, Call me by your name es una película que conmueve. No puede ser de otro modo porque la última imagen de Elio se nos queda en la retina. Y si queremos ponerle palabras a esta imagen, no hay que ir más lejos que la letra de la canción de Raphael Despertar al amor de 1984. Búsquenla. Léanla.

Pronto podremos ver nuevamente a Timothée Chalamet en la película Lady Bird (también nominada al Oscar como mejor película). Lo estoy deseando.

Call me by your name está exhibiéndose actualmente en los cines de España.

Diana Shoffstall