Juliet, Naked. Descubrir, destapar y desvelar y listos para el despegue

La comedia romántica Juliet, Desnuda  llegó a España el pasado 4 de enero y en ella tenemos el placer de ver nuevamente a Ethan Hawke, de 48 años, cuya carrera abarca más de 30 años e incluye títulos tan conocidos y recomendables como son Dead Poets Society, la trilogía de Before sunriseBefore sunset, Before midnightBoyhood, entre otros.

Imagen relacionadaEn Juliet, Desnuda Ethan Hawke es Tucker Crowe, un músico de los Estados Unidos de un solo éxito -el álbum titulado “Juliet”- aparecido hace 20 años. El hombre y su música han desvanecido con el paso del tiempo para la mayoría de sus fans. Pero entre una minoría que ha mitificado a Tucker Crowe está Duncan Thomson (interpretado por el irlandés Chris O’Dowd), un profesor quizás culto e inteligente pero absorto por su obsesión con Tucker Crowe. Duncan vive en un pequeño pueblo costero de Inglaterra con Annie (la australiana Rose Byrne), su pareja de 15 años. Annie ha vivido toda su vida en el pueblo, está inquieta y cada día menos tolerante hacia Duncan y su apasionado y excluyente manía por el músico. Cuando Tucker Crowe, hombre de carne y hueso, resucita, no públicamente sino en la esfera privada de Duncan y Annie, el statu quo de los tres se verá afectado.

El espectador acude al cine dispuesto a que Juliet, Desnuda le guste. El guión está basado en el libro homónimo del británico Nick Hornby quien ha visto otros títulos suyos adaptados para la gran pantalla ( Fuera de juego, 1997; Alta fidelidad, 2000; Un niño grande, 2002). Uno de los productores de Juliet, Desnuda es Judd Apatow que también era productor de La boda de mi mejor amiga (2011) en cuyo reparto aparecen tanto Rose Byrne como Chris O’Dowd. Apatow ha sido también productor y guionista para la serie de televisión Girls. Casualmente, O’Dowd ha figurado entre los actores de la serie, algunos episodios de la cual fueron dirigidos por Jesse Peretz, que es, como no, director de Juliet, Desnuda. Además, sin duda Peretz fue elegido para dirigir esta película dado su pasado como músico (en su juventud fue fundador y bajista del grupo The Lemonheads). Todos ellos en su conjunto, con la inestimable ayuda de Ethan Hawke, han logrado construir una película bastante entretenida sobre las posibilidades que aún se nos pueden presentar en la vida y sobre la necesidad de perder el miedo a los cambios.

Hay muy buena química entre Ethan Hawke y Rose Byrne y gracias a ellos dos y a Azhy Robertson (encantador en el papel de Jackson, el pequeño hijo de Tucker Crowe), el espectador pasa la película anticipando un final feliz o al menos prometedor. Chris O’Dowd no es tan afortunado en el papel de Duncan, ese hombre cercano a los 40 años que se porta como un niño, primero en su obsesión pueril por Tucker Crowe y después en su incapacidad de afrontar los cambios en su relación con Annie (y con Tucker). Finalizada la película, los créditos se acompañan de una última aparición de Duncan que aún insiste en lo suyo. Un personaje inmaduro y patético.

Un último apunte sobre la banda sonora (a cargo de Nathan Larson) y las canciones (originales y otras). Si Tucker Crowe y su música son protagonistas de Juliet, Desnuda, por supuesto alguna canción cantada por Ethan Hawke caerá. Y es así, y son varias canciones de hecho. Con todos mis respetos hacia Ethan Hawke -me encanta este actor- sus dotes como cantante no me han impresionado. No me extraña que Tucker Crowe era un músico de un solo éxito.

Diana Shoffstall

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Malos tiempos en El Royale. Buenos tiempos para el espectador

Drew Goddard (nacido en Houston, Texas en el año 1975) es un director, guionista y productor de cine y televisión. Con Malos tiempos en El Royale desempeña las tres funciones y se consolida en el mundo del celuloide. Quedan atrás sus comienzos en la televisión como guionista de Buffy the Vampire Slayer en los años 2002 y 2003, seguidos de otros guiones para la pequeña pantalla (AngelAlias o Lost). En la gran pantalla ha tocado los géneros del terror (era el guionista de Cloverfield, 2008 y el director y guionista de The Cabin in the Woods, 2011) y de la ciencia ficción (The Martian de 2015, dirigida por Ridley Scott con un guión de Goddard).

Resultado de imagen de imágenes de Malos tiempos en El RoyaleEn Malos tiempos en El Royale Goddard no se aleja de sus creaciones anteriores. El sinopsis de The Cabin in the Woods en pocas palabras es: cinco jóvenes amigos deciden pasar unos días tranquilos en una cabaña solitaria en un aislado bosque pero lo que encuentran es todo menos tranquilidad. Y un sucinto sinopsis de Malos tiempos en El Royale es: siete personajes, cada uno con un secreto, coinciden fortuitamente en un hotel aislado en un entorno solitario y allí encuentran el infierno del que algunos no escaparán.

En esta ocasión Goddard cuenta con actores que son atractivos para el público. Jeff Bridges, galardonado esta última semana con el Globo de Oro a su trayectoria profesional y con un número importante de buenos títulos en su haber (The Last Picture ShowThe Big LebowskiCrazy HeartTrue Grit y un largo etcétera) es el Padre Daniel Flynn (digamos que es el nombre con que se registra en el hotel). Cynthia Erivo, a quien vimos recientemente en Viudas, es aquí Darlene Sweet, una cantante sin cachet pero con principios. Erivo ha hecho carrera en musicales (ganó un premio Tony por su papel en The Color Purple en Broadway) y en Malos tiempos en El Royale nos hace una buena demostración de sus dotes para el canto. Dakota Johnson (la de Fifty Shades, entre otros títulos) es Emily. Ha secuestrado a su propia hermana Rose (encarnada por Cailee Spaeny), librándola de las manos de Billy Lee, el sádico líder de una secta. Aquí Chris Hemsworth deja de lado el buenazo de Thor y se mete en este papel con ganas. Jon Hamm, una estrella ascendente desde su aparición en la serie de televisión Mad Men, interpreta a Laramie S. Sullivan, un representante de la ley que investiga el pasado del hotel. El séptimo personaje es Miles Miller, el hombre para todo de El Royale, dócil y tímido, al menos eso creemos al principio. Lewis Pullman se encarga de la transformación de Miles.

Un hotel de lo más extraño y unos personajes inquietantes. El azar los ha unido y cada uno intentará salvarse y, en algunos casos, salvar a otros de la espiral de violencia que ha desatado su coincidencia física en El Royale. Quizás la película peque de un metraje excesivo (la duración es de dos horas y veintidós minutos) pero aún así el interés del espectador no decae en ningún momento. Un entretenimiento que bien merece el estar sentado casi una hora y media frente a la pantalla.

Malos tiempos en El Royale fue estreno en España el pasado día 16 de noviembre y aún la podemos ver en algunas pantallas de este país.

Diana Shoffstall

El regreso de Mary Poppins. Aprobado con nota.

Las fiestas de Navidad y Fin del Año nos han traído El regreso de Mary Poppins a los cines de España. Un entretenimiento tanto para los niños quienes quizás no hayan visto nunca la película original Mary Poppins del año 1964 con Julie Andrews y el incombustible Dick Van Dyke como los principales protagonistas, como para los mayores quienes sí hayan conocido y querido mucho a la original pero igualmente disfrutarán con esta secuela. Porque es una secuela. Mary Poppins al rescate de nuevo.

Resultado de imagen de disney cartel el regreso de mary poppinsEn El regreso de Mary Poppins, Michael y Jane Banks, los hermanos que, siendo niños tuvieron la suerte de entrar en el mundo mágico de su nanny Mary Poppins, son ahora adultos. Han pasado 20 años. Michael es el padre de tres niños que han quedado húerfanos de madre hace poco, igual que Michael ha quedado húerfano de su partner in life. Con la aparición de Mary Poppins y después de las dos horas y diez minutos que dura la película, la tristeza se ha tornado en alegría, los problemas económicos se han solucionado y todos los obstáculos a la felicidad se han superado, por lo menos de momento y hasta que la presencia de Mary Poppins sea, una vez más, precisada. Quizás dentro de otros 20 años y para la siguiente generación de la familia Banks.

La máquina de Disney ha funcionado a la perfección en El regreso de Mary Poppins. El director Rob Marshall (Chicago ha sido uno de sus éxitos), el guionista David Magee (Life of Pi, entre otros títulos), los encargados de la banda sonora y canciones originales Marc Shaiman y Scott Wittman (han trabajado juntos en más de una ocasión, por ejemplo en Hairspray o en Charlie and the Chocolate Factory the Musical), todos ellos han recibido -y merecido- elogios por su trabajo profesional. Eso, el equipo técnico (junto con otros).

¿Y el equipo artístico? Un reparto de primera. Emily Blunt (La chica del tren) canta, baila y nos regala numerosos gestos, sonrisas y miradas. Lin-Manuel Miranda fue lanzado a la fama con su trabajo en los musicales de Broadway, In the heightsBring it on y, más recientemente, Hamilton. Lo vemos aquí como Jack, el farolero, que hace 20 años fue el aprendiz de Bert, el deshollinador. Ben Wishaw, un joven actor británico con un largo historial en cine, televisión y teatro, es Michael Banks. Emily Mortimer (la vimos en La librería de Isabel Coixet) encarna a Jane Banks. Ellen, el ama de llaves de la casa de los Banks, la interpreta Julie Walters (casi tan premiada como Judi Dench o Maggie Smith). Los 3 niños Banks son una maravilla. Las interpretaciones de Pixie Davies, Nathanuel Saleh y Joel Dawson son refrescantes y libres de todo artificio. Me los como.

¿Y qué decir de los veteranos con sus actuaciones estelares? Meryl Streep, como la prima Topsy (prima de Mary Poppins) es simplemente fantástica. ¿Hay algo que esta mujer no puede hacer? Colin Firth es el estirado y malvado (aunque los malvados en las películas Disney son menos malvados y más patéticos) banquero William Weatherall Wilkins, y se ve que él disfruta en el papel. Nuestra querida Angela Lansbury, de tan solo 93 años, es la vendedora de globos. Y, finalmente, Dick Van Dyke, otro joven de 93 años, -Bert el deshollinador y también el banquero Sr. Dawes Jr. en el film original- reaparece como el Sr. Dawes Jr., algo mayor desde luego pero sorprendentemente ágil.

Además, El regreso de Mary Poppins nos recuerda que los tiempos han cambiado (aunque la película se sitúa en Londres en los años 30 del siglo pasado, la era de la gran depresión), pues hay unos cuantos actores de color en el reparto, algo no concebido en el año 1964 de la Mary Poppins original. Y una relación romántica incipiente entre Jane Banks, una mujer de cierto standing, y Jack, un humilde farolero, nos satisface. Son buenas noticias, dos apuntes más que consolidan el aprobado con nota de este film.

Diana Shoffstall

El reino. Una película-denuncia que permanecerá vigente hasta que desaparezca la corrupción

Trece nominaciones a los premios Goya, nada más y nada menos. Mejor película, mejor director (Rodrigo Sorogoyen), mejor actor principal (Antonio de la Torre), mejor actor de reparto (Luis Zahera), mejor actriz de reparto (Ana Wagener), mejor actor revelación (Francisco Reyes), guión original (del mismo Rodrigo Sorogoyen con Isabel Peña), y también nominaciones para el montaje, la fotografía, la música original, el sonido, la dirección de producción y los efectos especiales. Con tantas nominaciones, esta película está destinada a arrasar en la ceremonia que premiará las mejores películas españolas del año 2018 y que tendrá lugar el próximo 2 de febrero de 2019.

El Reino poster peliculaY así, El reino, que fue estreno en España hace casi cuatro meses, ha vuelto a proliferar en las carteleras del país para que el público que no la viera en primera vuelta (yo misma) tenga una segunda oportunidad para conocer -y en la mayoría de los casos, supongo y espero- para reprobar la conducta de Manuel López-Vidal (Antonio de la Torre) y sus compinches. No es de extrañar que esta película, que sigue los pasos de López-Vidal, un vicesecretario autonómico de un partido político nacional pero con estrella ascendente hasta que es atrapado -con toda justicia- en la red de corrupción que él mismo ayudó a tejer, sea un éxito en España. La avaricia, arrogancia y prepotencia de demasiados políticos españoles -y los delitos cometidos en consecuencia- ya han sido probados y condenados en los tribunales del país. Y lo que queda. Son muchos meses, por no decir años, que la corrupción y el fraude y los políticos en general, los partidos políticos y la política son los problemas que más preocupan a los españoles (junto al paro) según los sondeos efectuados por el Centro de Investigaciones Sociológicas (CIS).

O sea, El reino es una película-denuncia. Hasta ahí bien. Sin embargo, para esta espectadora la intención de su director y co-guionista Rodrigo Sorogoyen (la autoría del guión la comparte con Isabel Peña) carece absolutamente de sutileza. En El reino lo que vemos es lo que hay. Personajes ególatras, sin escrúpulos, disfrutando de los frutos de sus logros ilícitos, bromeando entre sí seguros de su impunidad, y, después, con el miedo en el cuerpo, buscando nuevas alianzas, traicionando viejas amistades, siempre conspirando. En este reino, prevalece el “sálvese quien pueda”. E incluye hasta la esposa e hija de López-Vidal, nuestro político defenestrado. Tampoco evocan nuestra simpatía. Son demasiado inteligentes para ignorar lo que estaba pasando de verdad. El amor por un esposo y un padre tan ciego no lo es.

En definitiva, Sorogoyen ha utilizado todos los recursos que tenía a mano para machacar el asunto. Sus personajes son malos, son culpables, no merecen nuestro perdón. Y por si acaso, y por si algún espectador aún no ha captado el mensaje, la última escena, el último plano, las últimas palabras pronunciadas por una periodista de una cadena de televisión (interpretada por Bárbara Lennie), dirigiéndose a su invitado López-Vidal pero mirando a nosotros, a los espectadores, ponen el punto final a la denuncia.

Diana Shoffstall

Sobre padres e hijos. De aquí a la eternidad, una cuestión cuya resolución es escurridiza

Una guindalera es una plantación del árbol guindo, una especie de cerezo, y el Espacio Guindalera también es una plantación de seres vivos, un “vivero de creadores y espectadores”, palabras que los fundadores utilizan para describir su proyecto. Los amantes del teatro quedamos desolados en el verano de 2016 cuando el Teatro Guindolera cerró sus puertas después de más de una docena de años desde su fundación por Juan Pastor. Afortunadamente el cierre fue temporal y algo más de un año más tarde nació el Espacio Guindalera para ofrecer nuevamente a sus fieles espectadores un chupito de licor de guindas a la finalización de las funciones.

Resultado de imagen de imágenes sobre padres e hijos espacio guindaleraSobre padres e hijos es la última creación teatral de Juan Pastor. Basada en la novela Padres e hijos del ruso Iván Turguéniev (1818-1883), la obra de Pastor (dirección y dramaturgia) actualiza el drama que escribió Turguéniev sobre los conflictos generacionales en la sociedad rusa a mitades del sigo XIX. Dos amigos de la universidad, uno perteneciente a una familia acomodada (Jorge), el otro un activista anticapitalista y procedente de una capa social humilde (Antonio), están de visita, primero en la casa de Jorge, después en la de Antonio. Tanto en el primer lugar como en el segundo, los enfrentamientos entre los jóvenes y los mayores brotarán. Las relaciones de amistad y de familia se complicarán aún más cuando Ana, una amiga de la familia de Jorge, entra en escena, atrayendo la atención de los dos jóvenes.

Juan Pastor ha escrito una obra sugerente, utilizando el recurso de los asides que es cuando un personaje se dirige directamente al público para comentar algo de lo que ocurre o sobre otro personaje sin que los otros actores en escena le escuchen. Es un recurso interesante cuya eficacia depende en gran parte del buen oficio del actor; en esta obra los asides no han sido de todo afortunados. Sin duda los que más han captado la atención del público han sido los de María Pastor (interpretando a Ana y con gran dominio del oficio). De hecho, el personaje de Ana constituye un eje sobre el que gira la obra y los asides pronunciados por ella enlacen el pasado con el presente. Margarita Lascoiti y José Maya encarnan por un lado la madre y el tío de Jorge (Jorge Tejero) y, por otro, a los padres de Antonio (Antonio Lafuente). Se ha situado la obra en un presente no definido con exactitud, pero en todo caso en un presente de los últimos años (y desde luego no mediado el siglo XIX). Por ello, a esta espectadora le resultó anómala la caracterización de los padres de Antonio, que recordamos viene de un extracto social más humilde. Este matrimonio me evocaba precisamente los campesinos pobres (y quizás judíos) del imperio ruso de los zares del siglo XIX. No parecían pertenecer a la misma obra que los otros personajes.

No obstante los asides o estas caracterizaciones algo extrañas, en definitiva Sobre padres e hijos es una mirada a nuestro interior que nos invita a reflexionar sobre las relaciones de familia, sus altibajos, las influencias externas ejercidas sobre ellas, los fracasos y rupturas, las reconciliaciones y las vueltas a la concordia. Son cuestiones sin edad, ni patria, que nos atormentarán de aquí a la eternidad.

Sobre padres e hijos está programado aún este fin de semana; la última función será hoy mismo,  domingo 16 de domingo. Para toda la información sobre Espacio Guindalera (Twitter: @Salaguindalera) y su oferta cultural, consultad la página web:

http://www.espacioguindalera.es/

Diana Shoffstall

La magia de la Navidad inunda las calles y los escenarios

Como todos los años, próximas las fechas de las fiestas del fin del año y de las vacaciones escolares, la oferta de ocio se multiplica. Yo soy de la opinión de que cuando disfrutan los niños, también disfrutan los mayores. Es muy frecuente que los mayores ya no nos sorprendemos por nada, al fin y al cabo creemos que lo hemos visto todo. Pero no hay nada más bonito que ver el mundo a través de los ojos de los niños que aún están descubriendo lo grande y lo maravilloso que es el futuro.

Programa Oficial Mágicas Navidades 2018 Torrejón de ArdozEmpecemos, pues, con un paseo por las Mágicas Navidades de Torrejón de Ardoz, designado Capital Europeo de la Navidad 2018. Hasta el 6 de enero, las puertas de las Mágicas Navidades estarán abiertas al público. Para los más pequeños, la Avenida Guachis (guachis = una especie de elfos) con sus atracciones -ecológicas y algunas muy originales- a medida de sus usuarios. Para los no tan pequeños, el tobogán de hielo, la noria gigante o karts sobre hielo. Para toda la familia, el espectáculo de luz y sonido -enorme en su construcción y extraordinaria en su concepción- que es la Puerta Mágica. Y, además, un gran abanico de otras actividades y eventos: belenes, pasacalles, villancicos, teatro, conciertos, mercadillos navideños, … Y para reponer fuerzas, numerosos espacios para comer y beber. Yo lo pasé genial tomando salchichas y cerveza y disfrutando de la música en el “Oktoberfest” particular del paseo. Una fiesta para toda las edades.  https://www.magicasnavidadestorrejon.es

Ya en Madrid capital, el Circo Price nos ofrece un año más su espectáculo de Navidad, también hasta el 6 de enero. Una cita anual a la que no debemos faltar y este año con el Cuento de Navidad de Charles Dickens como fuente de inspiración.

Por supuesto que los teatros de la capital se suman a las festividades. Aparte de los musicales que ya llevan tiempo en cartel (por ejemplo, Billy Elliot en el Nuevo Teatro Alcalá, que también repite éxito este año con Hansel y Gretel), en estas fechas podemos adentrarnos en el mundo de El mago de OzLa Bella y la BestiaPeter Pan, en el Teatro Maravillas) o de  Mowgli en el Teatro Fígaro. Las salas pequeñas y especializadas no se quedan atrás: el Teatro Sanpol (siempre un acierto) nos brinda Los músicos de BremenJack y las habichuelas mágicas cobra vida en Teatros Luchana; Estudio2 Manuel Galiana incluye en cartel La isla del tesoro; y un largo etcétera.

No tenemos que ir lejos para disfrutar en familia de las fiestas. Los distritos de la Capital y las poblaciones de la Comunidad se decoran con luces, la música navideña flota por encima de nuestras cabezas y la alegría y asombro de los niños en presencia de los Reyes Magos nos reconforta.

Para toda la información sobre los espectáculos y actividades, consulten las páginas web de los teatros y del Ayuntamiento y Comunidad de Madrid.

¡Felices Fiestas a todos!

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Diana Shoffstall

Viudas. O como ser una millonaria y no perder tu vida en el intento (logrado)

Dar al César lo que es del César. O, en otras palabras, dar el mérito a quien lo merece. Y,  quizás, en este caso, hay que darlo a la británica Linda La Plante, creadora y guionista de una serie de televisión de 1983 que se titulaba Widows (Viudas en castellano) y que se trataba de las viudas de cuatro ladrones que deciden llevar a cabo el último atraco que había sido planeado por sus difuntos maridos. Pero, bueno, tampoco vamos a quitar mérito al director de este largometraje, el también británico Steve McQueen, co-guionista del mismo, junto a Gillian Flynn. Flynn es la autora del bestseller del año 2012 Gone Girlque ella misma adaptó al cine en el año 2014 con el título castellano de Perdida. El guión fue bien recibido. Por otro lado, McQueen tampoco se queda corto. Sus películas Hunger (2008) y Shame (2011) fueron ampliamente alabadas, y McQueen recibió el Óscar de mejor película por su largometraje 12 años de esclavitud (2013).

Imagen relacionadaVolviendo a lo fundamental, Viudas es eso, la historia de cuatro mujeres cuyos maridos no eran precisamente ciudadanos rectos y honrados. El último atraco de estos deja un balance de cuatro muertos -los suyos- y deudas millonarias que la hampa reinante pretende cobrar a las viudas de los finados. Ergo, ellas se ven obligadas a seguir la estela de sus malogrados esposos.

McQueen sitúa la acción en la ciudad de Chicago de hoy en día con lo que se ha tomado libertades para introducir algunas alusiones a la situación de esta metrópolis estadounidense, a la del país en general y a la de la sociedad actual que vive allí. La corrupción política caracterizó a Chicago durante muchos años, pero esto años ha. Las relaciones turbias entre políticos y mafiosos y otros maleantes existía y aún hoy existe sin duda, pero a mi entender McQueen ha necesitado que los malos (incluyendo los políticos) sean muy, pero muy malos en esta película como contrapunto a la “inocencia” de las viudas. ¡Pobre ciudad de Chicago! Esta exageración no obstante, McQueen ha hecho bien en enseñarnos un gran mercado de compraventa de armas (espeluznante), en relatar la muerte de un joven e inocente negro a manos de un policía blanco demasiado dispuesto a utilizar su arma (tristemente frecuente), o de una joven madre soltera que corre -literalmente- de un trabajo mal pagado a otro para ganarse unos cuantos dólares más para ella y su hija a quien por ello apenas ve (una realidad endémica en demasiadas poblaciones pequeñas y grandes) Y, finalmente, McQueen ha dado el protagonismo a las mujeres, cosa que es de agradecer, si bien no ha podido -o querido- evitar algunos estereotipos.

Con todo, la película nos entretiene aunque, al reflexionar sobre ella a su término, quizás tendremos que confesar que es algo inverosímil.

Las interpretaciones son excelentes por lo general. Por nombrar algunos de los actores, destacan Viola Davis como Verónica, la viuda (negra) del jefe de la banda (blanco) que se convierte en el líder de las viudas -otro acierto del director- ; la actriz australiana nacida en París, Elizabeth Debicki, altísima y delgadísima, como Alice, otra de las viudas; Liam Neeson, como Harry, el cerebro de la banda original y marido de Verónica; Colin Farrell, como el político local Jack Mulligan, corrupto por herencia; o el veterano Robert Duvall, como el político retirado Tom Mulligan, el padre de Jack, y un hombre no solamente corrompido sino también racista. El actor que no convence es Daniel Kaluuya, quien llamó la atención por su interpretación en Déjame salir hace un par de  años. Su papel en Viudas es de un matón psicópata y brutal, pero Kaluuya, en vez de resultar amenazante, parece un actor que imita el perfil de un matón.

El último apunte es para la banda sonora a cargo de ese alemán ya afincado en Hollywood que se llama Hans Zimmer. Sus bandas sonoras (El Rey León, 1994; Gladiator, 2000; 12 años de esclavitud, 2013; Blade Runner 2049, 2017; entre otras muchas) han hecho historia. Y la canción The Big Unknown, de Sade, que nos acompaña mientras pasan los créditos de la película, es preciosa.

Hay más, mucho más, que contar, pues hay sorpresas y giros no esperados en la trama. Pero el spoiler está vetado. Por tanto, los interesados en conocer la totalidad de la historia deberán acudir al cine y disfrutar de este thriller en pantalla grande.

Viudas se estrenó en las carteleras de los cines de España el pasado 30 de noviembre de 2018.

Diana Shoffstall

Todas las noches de un día. Y que no falte a ninguna de ellas el inmensurable talento de Carmelo Gómez

Gracias, Carmelo. Gracias por el derroche de talento interpretativo sobre el escenario. Gracias por el torrente de emociones, ora contenidas, ora derramadas. Sí, gracias a  Carmelo Gómez , Todas las noches de un día (dirigida por Luis Luque y en cartel en el Teatro Bellas Artes de Madrid) debería figurar en la agenda de todos los amantes del teatro.

Carmelo Gómez es Samuel, un hombre solitario, introvertido, parco de palabras cuya vida interior es un torbellino de pasiones perturbadoras. Es el jardinero -y guardián- de una vieja casa señorial aparentemente abandonada. A Silvia (encarnada por Ana Torrente), la frágil y desencantada heredera y último habitante de la casa, no la ha visto nadie desde hace un tiempo largo. Cuando se presenta en la casa la policía en busca de pesquisas sobre el paradero de Silvia, Samuel no podrá refrenar los sentimientos y los recuerdos en ebullición en su interior. Las insistentes preguntas que le formulan arrancarán de raíz la verdad.

Resultado de imagen de imagenes de todas las noches de un díaTodas las noches de un día es obra del joven dramaturgo Alberto Conejero. Con apenas 40 años, Conejero ha conquistado al público y a la crítica con obras tales como Ushuaia (2013) o La Piedra Oscura (2014). Por esta última, Conejero recibió el Premio Max en la categoría de mejor creación original. Todas las noches de un día constituirá, indudablemente, un nuevo éxito para el jiennense, pese a que sobre el texto podríamos estampar las palabras déjà vu. Un hombre sencillo, rudo que es acogido por una mujer un poco mayor que él. Ella es sofisticada, guapa, inestable. Y sola también. Se desarrollará una relación de dependencia mutua. Samuel amará a Silvia en silencio y la protegerá. Silvia volcará sobre Samuel sus encantos y le manipulará. El fin está decantado. Contemplen el cartel anunciador de la obra. Sus ojos nos lo dicen todo.

La puesta en escena (a cargo de Mónica Boromello) es evocadora. Estamos en el jardin, con las paredes encristaladas de la casa al fondo. La casa representa a Silvia, una jaula  de cristál en la que se ha encerrado con sus decepciones y sus sufrimientos y de la que desesperadamente quiere huir. El jardín es el hogar y el refugio de Samuel. Él puede contemplar a Silvia a través de los cristales, a distancia. Pero son las fugaces visitas de ella al jardin y las confidencias no solicitadas que ella compartirá con él que inquietarán a Samuel.

Ana Torrent, delgadísima, es una mezcla de niña desamparada y de seductora astuta como Silvia. Su presencia en escena es literalmente fantasmal. La vemos, la escuchamos, la conocemos únicamente a través de los recuerdos de Samuel y siempre en su compañía. Es una presencia crucial y Ana Torrent exprime todas las posibilidades que presenta el personaje. Recordamos a esta actriz de niña en las películas El espíritu de la colmena (1973) o en Cría cuervos, (1975). Siendo joven pero toda una veterana, destacó en Tesis (1996) o en Una preciosa puesta de sol (2003). Y en los últimos años, Ana Torrent aporta toda su experiencia y su figura elegante a los escenarios.

Pero es Carmelo Gómez, como Samuel, quien no abandona el escenario en ningún momento de los 90 minutos que dura la obra. Este actor leonés nos ha regalado inolvidables interpretaciones a lo largo de su dilatada carrera tanto en el cine como en el teatro (en el cine Días contados de 1994, El portero del 2000 o Silencio en la nieve de 2001; en el teatro La cena de 2004 o El alcalde de Zalamea de 2015; entre otros muchos ejemplos). En Todas las noches de un día, Carmelo Gómez, con su figura recia, transmite fuerza bruta y ternura tambaleante. El dolor y también la adoración son percibidos en su cara surcada. Y esa voz grave, profunda, reverbera dentro de nuestras cabezas. Un verdadero placer visual y auditivo para el espectador. Gracias, Carmelo.

Consulten la página web del Teatro Bellas Artes (Twitter: @TeatroBellasArt) para toda la información sobre su programación, horarios y precios:

https://www.teatrobellasartes.es/

Diana Shoffstall

Odios sordos. Una genial mirada al pasado y presente. ¿Y qué nos deparará el futuro?

Melanía Sebastián y Fermín Cabal son los responsables de esta comedia inteligente que ironiza sobre la posibilidad de que el cadáver enterrado en el Valle de los Caídos no sea el de Francisco Franco. Cabal (León, 1948) no solo es dramaturgo, guionista de cine y televisión y director de cine y teatro, sino también docente, y la joven Melanía Sebastián fue una de sus alumnas aventajadas. Melanía ideó y escribió el texto que Fermín ha llevado al escenario de Teatros Luchana en Madrid.

Resultado de imagen de imágenes de odios sordosEntre escena y escena, Odios sordos utiliza con suma eficacia grabaciones audiovisuales históricas. A través de secuencias del NO-DO (Noticiarios y Documentales) en blanco y negro (que antaño se proyectaban en los cines antes de los pases de las películas) aparece ante nuestros ojos Carlos Arias Navarro anunciando a la nación que el Generalísimo ha muerto o, en el mismo momento de depositar el féretro en la sepultura,  tres altos cargos (el Jefe de la Casa Militar del Generalísimo, su segundo Jefe y el responsable de la Casa Civil) que juran solemnemente que el cuerpo que contiene la caja es el de Francisco Franco Bahamonde. Las secuencias en color, tomadas de los medios de comunicación modernos, son del actual Presidente, Pedro Sánchez, y otras personas relevantes en el panorama político y social de hoy en día, y referentes a la polémica decisión del gobierno y sus consecuencias.

Si bien los audiovisuales son importantes en Odios sordos, no lo son menos los diálogos, hilarantes y agudos. Cada actor bien plantado en su papel. Gloria Villalba es Adela, la hermana rojilla, dispuesta a todo por no traicionar a sus convicciones y creencias. No puede ver a su cuñada Marga ni en pintura. Isabel Torrevejano, como Marga, es ambiciosa y avariciosa, inescrupulosa. Adela le saca de quicio. Pruden, interpretado por  Chema de Miguel, está en el medio. Quiere a su hermana, comparte la historia familiar, pero es débil frente a su mujer dominante.

Claramente, esta obra, Odios sordos, la entenderán de un modo las personas jóvenes nacidas a partir de la democracia mientras que las personas de más edad, como yo misma, que vivimos el día a día del fin de la dictadura, la muerte de Franco y la transición, la apreciaremos a través del prisma de nuestra experiencia. Quizás las reacciones de unos y de otros no coincidan en todos los momentos de la obra. Pero no debería haber divergencias con respecto de al menos un punto: la recuperación de los restos de los desaparecidos -fusilados muchos de ellos- en la Guerra Civil española. De esto también nos recuerda -en una escena conmovedora- Odios sordos.

Odios sordos es una obra que podría re-escribirse mañana o pasado. Aún no hemos llegado a la final de la historia, un cruce entre la crónica de los hechos y la ficción de lo que podría ser. Estén atentos. El último capítulo nos espera.

Consulten todos los detalles de la variada programación de Teatros Luchana (Twitter: @Teatros Luchana), sus horarios y precios en la página web:

https://teatrosluchana.es/

Diana Shoffstall

 

Colette. Un espíritu indomable, una fémina adelantada a su tiempo

Fascinante, apasionante, sugerente, … Éstas y otras muchas palabras referidas a la recién estrenada película de Wash Westmoreland las podríamos utilizar para tentar al público a su visualización. Las mismas palabras que podríamos emplear para describir a Sidonie-Gabrielle Colette. Y otras como provocadora, revolucionaria, atrevida, … La figura de Colette constituye una materia prima de calidad superior. Y Westmoreland no ha desaprovechado su fuente de inspiración.

ColetteSidonie-Gabrielle Colette, a quien el mundo entero finalmente conocería simplemente como Colette, nació en un pueblo de la región francesa de Borgoña en el año 1873. Era amante de la naturaleza y de la vida en el campo. Henry Gauthier-Villars era 15 años mayor que Colette. Con el nom-de-plume de Willy, era un popular escritor fin-de-siècle de artículos y críticas musicales y teatrales y un vividor que frecuentaba la alta sociedad parisiense. El casamiento de Colette y Willy en el año 1893 produjo un cambio radical en la vida de la joven Sidonie-Gabrielle. La película se centra en los subsecuentes años de convivencia de Colette y Willy (llegó la separación en el año 1906), siguiendo los pasos de la joven y relatando su transformación en una mujer hecha y derecha. Una mujer que tuvo que remar contra corriente, derribar paredes y abrir puertas, que en aquella época estaban cerradas a las féminas, para liberarse y encontrar su voz y su identidad.

Un espléndido guión, co-escrito por Westmoreland, Richard Glatzer y Rebecca Lenkiewicz. Glatzer era colaborador de Westmoreland en lo profesional y en lo privado. Juntos escribieron y dirigieron Still Alice (2014), entre otros films, y se habían unido en matrimonio. Colette era su próximo proyecto, pero Glatzer no pudo ver su culminación (falleció en el año 2015). La fotografía de Giles Nuttgens, preciosa, y la música, de Thomas Adès, evocativa.

Y a estos aciertos de guión, dirección, fotografía y música (el equipo técnico en su conjunto es superlativo) hemos de añadir unas magníficas interpretaciones por parte de los actores. Los secundarios todos bien, por citar solo uno, Fiona Shaw, en el papel de Sido, la madre de Collete. En cuanto a los protagonistas, Keira Knightley -muchos espectadores la conocerán por la saga de los Piratas del Caribe, otros por su reconocida intervención en Pride & Prejudice, The Imitation GameAtonement– exprime con brillantez todas las facetas del carácter de Colette: su inteligencia, su curiosidad, y tanto su sensualidad como su sexualidad, …

Imagen relacionadaResultado de imagen de imágen de colette con mathilde de mornyDominic West (ha tenido mucho éxito en la televisión – The WireThe Affair– pero también le hemos visto en el largometraje The Square) es ideal en el papel de Willy, el marido libertino y déspota, el primer gran amor de Colette. Él encarna un espécimen prevalente en la sociedad parisiense antes de la Gran Guerra, la denominada Belle Époque. Willy, inconscientemente, tuvo mucho que ver con la transformación de Colette. Una metamorfosis que conduciría a la ruptura de su relación. Y finalmente una mención muy especial para la actriz irlandesa Denise Gough. Ella es Missy (en realidad Mathilde de Mornay, Marquesa de Belboeuf), que se viste de hombre y ama a las mujeres. La actriz ha logrado lo que es en mi opinión un perfecto equilibrio entre lo morboso y lo delicado y bello de este personaje clave en la vida de Colette.

Colette murió en el año 1954. Había sido novelista, periodista, guionista, libretista, y artista de revistas y cabaré. Entre otras obras suyas, la aclamada novela  Gigi fue llevada al cine por Vincente Minnelli con abrumante éxito en el año 1958. Colette se casó tres veces y tuvo una hija. Sus amantes eran mujeres y hombres e incluso chicos adolescentes. Su vida bien merece una película. Y quizás también las vidas de Willy y de Missy. Dicen que cuando murió Willy en el año 1931, tres mil personas siguieron a su ataúd al cementerio de Montparnasse. Missy era un hombre que había nacido mujer. Dada su condición de “noble”, no fue totalmente condenada al aislamiento, pero su vida terminó por su propia mano en el año 1944.

Colette, la persona, era un espíritu indomable y Colette, la película, lo celebra por todo lo alto. Vayan a verla.

Distribuida por DeAPlaneta, Colette llegó a las pantallas de España el 16 de noviembre.

Diana Shoffstall