Wajib (Invitación de boda). Ninguna novedad, ninguna emoción en el pueblo de Nazaret

Wajib se refiere a la costumbre palestina de hacer llegar las invitaciones de boda personalmente a cada invitado. Se casa la hija de Abu Shadi. Para este acontecimiento y con el objetivo de ayudar en las tareas de preparación -incluyendo el reparto de las invitaciones- vuelve a casa el hijo de Abu Shadi (Shadi, sin más).

Resultado de imagen de poster oficial invitación de boda (wajib)Estamos ante una familia palestina-cristiana que reside en Nazaret. Abu Shadi es maestro en una escuela (aspira a la dirección del mismo) y divorciado. Su hijo Shadi, un arquitecto, hace años que se afincó en Roma (donde se ha ennoviado con la hija de un ex-dirigente de la OLP). Dos generaciones, dos maneras de enfrentarse a la vida, dos visiones del futuro, … No es una cuestión novedosa y da igual que estemos en Nazaret que es la ciudad de Israel con mayor población árabe, en su mayoría musulmana aunque los árabes-cristianos componen un grupo minoritario importante. Apenas alguna referencia a la dominación judía. La presencia de algunos soldados israelís en las calles irrita enormemente al hijo Shadi quien está muy comprometido con la causa palestina. En cambio, el padre Abu Shadi se muestra ecuánime ante la situación e incluso pretende invitar a un judío a la boda (un inspector de educación que puede ser clave para que al padre le nombren director de la escuela) ante la negativa y rotundo rechazo del hijo.

Y mientras la familia de Abu Shadi se prepara para la boda, la ciudad se prepara para la Navidad: la llegada de turistas y peregrinos a la ciudad donde Jesús pasó su infancia; los puestos callejeros vendiendo toda suerte de objetos relacionados con la Navidad; los árboles de Navidad dentro de muchas casas; y hasta la música de la canción Jingle Bells anunciando las llamadas entrantes al teléfono móvil de Abu Shadi.

Realmente no pasa gran cosa en esta película. Seguimos los pasos de Abu Shadi y de Shadi: juntos en el coche para entregar las invitaciones o hacer otros recados; dentro de las casas de los invitados o familiares tomando el té (o predominantemente el café) de rigor y manteniendo breves conversaciones banales; almorzando en un pequeño restaurante para reponer fuerzas, … Y siempre los dos en desacuerdo. Al padre no le gusta la ropa con que se viste su hijo. Al hijo le parece horrorosa la música que escucha su padre. El padre es más bien apolítico. El hijo todo lo contrario. El padre es conservador y un fervoroso creyente en las tradiciones. El hijo apoya y desea cambios.

La directora y guionista palestina-cristiana Annemarie Jacir, además de rehusar entrar en el terreno político o religioso, tampoco presta demasiado atención a las mujeres. Y eso a pesar de que la película gira en torno a las preparaciones de la boda de la hija de Abu Shadi. La vemos poco y sin que se pronuncie con energía sobre ningún tema. La otra figura femenina ausente es la que fuera la esposa de Abu Shadi, la madre de Shadi y su hermana. Una mujer que abandonó a su familia cuando sus hijos eran pequeños y que vive ahora en los Estados Unidos con su nuevo marido que está muy enfermo. ¿Podrá venir o no a la boda? Su presencia en la misma se da por hecho a pesar del distanciamiento físico y afectivo entre ella y su antiguo hogar y familia. Otra “manzana de la discordia”.

Invitación de boda (Wajib) se deja ver sin sobresaltos. Me estaba gustando (sin gran entusiasmo) hasta la escena final en la que la directora utiliza la técnica “del espejo” para retratar a padre e hijo (encender el cigarrillo, tomar los sorbitos de café, mirar el horizonte, …). ¿Reconciliación? ¿Reconocimiento de sus similitudes por encima de sus diferencias? Da igual realmente. La escena final es como el resto de esta cinta, tranquila y de perfil bajo.

Por cierto, los actores Mohammad Bakri (Abu Shadi) y Saleh Bakri (Shadi) son padre e hijo en la vida real. Su labor en esta película no está mal; han hecho lo que han podido con un guión bastante soso.

Invitación de boda (Wajib) la podemos ver en los cines de España desde el pasado 27 de abril, gracias a la distribuidora Festival Films.

Diana Shoffstall

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Estoy intentando romperte el corazón. A pesar de ello, final feliz.

Dos parejas en un hotel de Chicago. Habitaciones contiguas, los números 308 y 309. David y Mar van a casarse el día siguiente. ¿Y Pauline y Robert? Digamos que su relación es tanto profesional como personal. Ellos amenizan distintas funciones dentro y fuera del hotel. Dos parejas que no se conocen pero cuyo futuro se determinará por el tándem de la proximidad y la casualidad que se convertirá en el tercero en discordia en sus relaciones.Resultado de imagen de poster de la obra de teatro estoy intentando romperte el corazón

Estoy intentando romperte el corazón está anunciado como un “espectáculo homenaje a la comedia republicana que desarrollaron autores como Jardiel-Poncela, Mihura o Tono”. Gabriel Ochoa, el autor de la obra (y co-director de la misma junto a José Miguel Sánchez quien es, a su vez, uno de los actores-protagonistas) se confiesa que Mihura le fascina y que esta obra “pretende ser un homenaje posmoderno a esta generación [la del siglo XX] desde una óptica puramente del siglo XXI”.

La obra es un ir y venir de los personajes. David y Mar, David y Pauline, Pauline y Robert, Mar y Pauline, Robert y Pauline, David y Robert, Robert y Mar, … ¿Me he olvidado de alguna de las posibles combinaciones? El idioma inglés hace su apariencia a ratos (normal, se encuentran en un hotel de Chicago), la música de variados estilos les acompaña (David es mitad músico, mitad crítico musical), las referencias literarias buscan su propio hueco (parece que David también tiene una predilección por Bertrand Russell).

Los jóvenes actores José Miguel Sánchez (David), Leticia Montevera (Mar), Marta Wall (Pauline) y Raúl Ferrando (Robert) se meten en la piel de sus personajes con energía y decisión, ambas cualidades imprescindibles para un texto que corre para llegar a un fin que es menos satisfactorio que lo esperado, un anticlímax sin clímax. Corazones rotos no parece que los hubo, la verdad. Más bien el amor profesado al inicio por nuestros protagonistas es efímero, ni es el amor “de toda la vida” ni el amor “verdadero” (inverosímiles ambos amores en todo caso).

Aún así, de principio al fin la obra mantiene el interés del espectador. Queremos conocer el destino de sus jóvenes personajes “posmodernos”. Hay que prestar atención, dada la velocidad de los acontecimientos y de los diálogos y la proliferación de referencias musicales y literarias que no siempre dan a la obra una nueva dimensión. A veces siembren desconcierto y algo de confusión (en particular si los nombres de los grupos musicales o de los escritores no figuran entre los predilectos del público).

Finalmente, reto conseguido, los actores pueden despedirse de un público que ha reído, que ha quedado perplejo o que ha sentido incredulidad, todo ello en distintos momentos de la misma obra, pero que también ha aplaudido con ganas el entusiasmo tanto de los jóvenes intérpretes como del texto.

Consultar la página web del teatro (Twitter: @intemperieteatr) para toda la información sobre la programación, horarios y precios:

http://intemperieteatro.com/

Diana Shoffstall

Los Niños. Crecer con cadenas.

Los niñosMaite Alberdi quiere que nos fijemos en las personas con Síndrome de Down, quiere que las vemos de verdad -en tres dimensiones-, quiere que las tengamos en cuenta y que les admitimos en la sociedad de todos sin menoscabo de sus derechos. Con Los Niños la joven cineasta chilena de 35 años ha colocado las personas con Síndrome de Down en primera plana. En sus propias palabras, con sus propias acciones conocemos las esperanzas y decepciones, las reivindicaciones y logros, los avances y retrocesos de estas personas en su día a día.

Curiosamente el título en inglés elegido para este documental para su pase por las pantallas de diversos países es The Grown-Ups. Se podría traducir grown-up como “adulto”, pero literalmente significa “crecido”. De eso se trata Los Niños/The Grown-Ups: de personas “crecidas” con Síndrome de Down, pero cuyos derechos no son los de los adultos sino que los que corresponden a los niños, bajo la tutela de los padres u otros familiares o de las autoridades sociales. Anita, Andrés, Ricardo y Rita son algunas de las personas de más de 40 años que han sido compañeros prácticamente toda su vida. Desde niños han asistido al colegio especial donde los profesores y los educadores sociales se han esforzado para que sus alumnos aprendan: un aprendizaje que les permitirá -o no- integrarse en un mundo poblado de una enorme mayoría de personas sin Síndrome de Down.

Maite Alberdi ha dicho que en parte una tía suya la motivó para filmar Los Niños. No que la tía se lo hubiera propuesto claramente. La tía tenía Síndrome de Down y era una de esas personas “crecidas”, un colectivo cada vez más a tomar en cuenta debido al hecho de que hoy en día muchas personas con Síndrome de Down vivirán pasados los 60 años.

Entre los “niños” del film de Maite Alberdi está Ricardo. Sus compañeros le han elegido “presidente” de su grupo. Es una persona resuelta, ambiciosa, algo mandona y consciente de las limitaciones que le son impuestas. Vive con su familia y tiene dos trabajos. Trabaja en el taller de gastronomía del colegio donde preparan dulces para la venta, y también ayuda en un centro de mayores. La escena en la que vemos a Ricardo amorosamente prestando cuidados a los mayores es conmovedor. Pero dos trabajos no son suficientes. Los sueldos son míseros Así no podrá cumplirse el sueño de Ricardo, el sueño de vivir en su propia casa, el sueño de ser independiente.

Tampoco podrá cumplirse el sueño de Anita y Andrés. Se aman, se quieren casar, pero no tienen medios, la legislación pone trabas y la posibilidad de su unión no cuadra con los planes de sus respectivas familias. Maite Alberdi aborda con contundencia la cuestión de la plena integración. Sí, ciertamente es fácil ver a nuestros protagonistas como “niños grandes”. Como lo somos todos nosotros en realidad. Las riñas y quejas de Rita con sus compañeros son equivalentes a las situaciones que se dan diariamente en cualquier lugar de trabajo. Su alegría durante su fiesta de cumpleaños, rodeada de sus amigos, es la misma alegría que cualquiera de nosotros sentiríamos.Los niños

Se nos dijo antes de la proyección que Los Niños había colado en la conciencia de Chile y que a raíz de las discusiones e interés popular que seguía a su estreno, se lograron algunos cambios en la legislación laboral en beneficio de la integración de personas con Síndrome de Down. Bienvenidos los cambios. Brindemos por ello.

Vayan a ver Los Niños. Pero no vayan a verlo por sus muchos premios y reconocimientos (y los ha habido como, por ejemplo, Premio a la Mejor Dirección Femenina en el International Documentary Film Festival de Ámsterdam 2016, Premio Mejor Película Docs Barcelona 2017 o Mejor Documental Premios Platino 2018).

Vayan a ver Los Niños por Anita y por Andrés, por Ricardo y por Rita, y por sus otros compañeros. Vayan para compartir sus alegrías y sus tristezas. Vayan para conocerles y para asumir el reto de su futuro.

Consultad la página web de la Cineteca (Twitter: @CinetecaMadrid) para toda la información de la programación, horarios y precios:

https://www.cinetecamadrid.com/

Diana Shoffstall

En la fundación. La visión de Buero Vallejo del año 1974 a través de los ojos de los jóvenes de hoy

Representar una obra del gran dramaturgo español Antonio Buero Vallejo, fallecido en el año 2000 y merecedor de diversos premios (Premio Cervantes 1986, Premio Nacional de las Letras Españolas 1996, entre otros reconocimientos) y el aprecio del público, es un reto para cualquier compañía de teatro. La Joven Compañía no se amedrenta ante semejante desafío. Desde sus inicios en el año 2012, los jóvenes componentes de la compañía (tienen entre 18 y 27 años) se han atrevido con versiones de otras obras emblemáticas: Proyecto Homero: IIíada/Odisea, Fuente Ovejuna, El Señor de las Moscas, … Y han sido recompensados con sus propios reconocimientos (los Premios Max o el  Premio Valle-Inclán han incluido sus obras en los listados de candidaturas).

Resultado de imagen de imágenes de en la fundación de la joven compañíaEn esta ocasión el espectador se encuentra en lo que parece ser una moderna habitación con bonitas vistas dentro de “La Fundación” que, según nos va revelando el personaje principal Tomás, es un importante y progresista centro de investigación y enseñanza. Tomás nos presenta a sus compañeros de habitación, todos ellos jóvenes aspirantes a grandezas profesionales en sus elegidas materias de especialización. Pero hay algo desconcertante. Uno de los jóvenes, el “Chico”, que creemos enfermo, hasta que sabemos que se ha muerto; el aislamiento en el que viven los compañeros de la habitación (la comida la traen a ellos, el váter está anexo a la habitación, los jóvenes acuden a las visitas esporádicas de familiares o amigos fuera de la habitación y siempre acompañados de algún “ordenanza” de La Fundación); la falta de actividad real que es sustituida por un constante ir y venir de un lado para otro dentro del único espacio que es suyo. Un centro de investigación que no lo es; en realidad es una cárcel. Y los jóvenes no son invitados privilegiados; en realidad son presos.

Buero Vallejo estrenó su obra La Fundación en enero de 1974 en el Teatro Fígaro de Madrid. Un mes antes Carrero Blanco había sido asesinado. El franquismo estaba llegando a su fin. En una entrevista previa al estreno concedida al periódico ABC, Buero Vallejo, parco de palabras, dijo que uno de los temas de su obra era la “alienación” y que era “una obra de mi tiempo”. También era una obra que reflejaba las propias vivencias del escritor. Luchó en la banda republicana durante la guerra civil (y estuvo vinculado al Partido Comunista) y fue encarcelado. La realidad es dura, muy dura; crear otra historia para enmascararla es algo muy humano. Tomás crea otra historia y sus compañeros se lo permiten hasta que la realidad se impone.

Los jóvenes actores se esfuerzan para trasladarnos a ese mundo algo claustrofóbico y finalmente desesperanzador. Me ha gustado mucho el diseño de la escenografía; la utilización de las grandes puertas que simbolizan apertura y su conversión posterior en una pared infranqueable ha funcionado. Sin embargo, esta obra dirigida por José Luis Arellano García (nacido en el año 1969, es uno de los fundadores de La Joven Compañía) y versionada por la también joven Irma Correa (nació en el año 1975), es difícil de dirigir y disfrutar. La trayectoria de Irma Correa es prometedora. Con su obra Desde lo Invisible ganó el Premio Max en el año 2008 como mejor espectáculo revelación; el año pasado llevó su obra Hablando (último aliento) al Centro Dramático Nacional en Madrid. Sin embargo, el texto de En la fundación es confuso a veces y algo repetitivo. La obra es un pelín larga y quizás las interpretaciones de los actores, intentando favorecer la comprensión del espectador, sean también un pelín histriónicas. Aún así, todo intento de formar a los jóvenes actores y favorecer su salida al mundo laboral es digno de nuestro respeto.

En la fundación se está representando en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid hasta el próximo día 5 de mayo.

Para conocer todos los detalles de la programación del Centro Cultural Conde Duque, consultar su página web:

https://www.condeduquemadrid.es/

Y también pueden visitar a la página web de La Joven Compañía:

https://www.lajovencompania.com/inicio

Diana Shoffstall

Donkeyote. Caminar, cabalgar, cavilar … recorriendo mundo

DonkeyoteDonkeyote es un juego de palabras. Donkey, en inglés, significa burro. Y, pronunciando Donkeyote, nos aproximamos mucho a “donquijote”. Nuestro protagonista Manuel no es Don Quijote y su burro Gorrión no es Rocinante. Pero sí que es un bonito guiño a Cervantes y su universal Don Quijote de la Mancha.

Manuel, de 73 años, es andaluz. Jubilado, lo que más le gusta es pasear por el campo y los bosques, en llano o subiendo y bajando las colinas, con su fiel burro Gorrión y uno o más de sus perros. Muchas noches acampan al aire libre. Su hija Paquita y los médicos son vigilantes; Manuel se cuida y tiene buena figura, pero su corazón no es el que era y una de sus rodillas le da guerra. Cuando Manuel comienza a hablar de su deseo de viajar a América (los EE.UU.) para caminar, junto a Gorrión, el Sendero de las Lágrimas que hace referencia a la expulsión de los indios Cherokees y su traslado forzoso del este al oeste del país -1.500 kilómetros- en el año 1838), las alarmas se disparan.Resultado de imagen de poster de donkeyote

Para Chico Pereira (Almadén, Ciudad Real, 1979), el director de esta cinta, Donkeyote no es solamente un importante logro profesional -y lo es, desde luego-, sino también un proyecto algo más personal. En un coloquio que siguió a la proyección, Chico nos reveló que Manuel es su tío y padrino. Que después de bastantes años de alejamiento, Chico (junto a algunos primos -y coguionistas de Donkeyote- ) volvió al pueblo y, durante ese reencuentro con el pasado, se gestó la idea de retratar a su tío. Manuel es inteligente, algo excéntrico y muy seguro de si mismo. Sus andanzas, junto a sus acompañantes de cuatro patas, y sus pensamientos, compartidos en voz alta con sus fieles amigos de viaje, confirman la existencia de la genialidad y la singularidad.

Donkeyote está dejando huella, nunca mejor dicho cuando pensamos en las huellas que han ido dejando Manuel, Gorrión y la perra Zafrana en los senderos y carreteras del sur de España. Los reconocimientos se van acumulando desde el año pasado, entre otros: nominación como mejor largometraje BAFTA Escocia y premios como mejor largometraje documental Festival Internacional de Cine de Edimburgo , mejor película sección “Estampas” Festival Internacional de Cine Documental de México, mejor director español Festival Internacional Documenta Madrid, premio Luna mejor documental Festival l’Europe autor de l’Europe París, premio del Público Festival de Cine Española Málaga, …

Vayan con Manuel, con Gorrión y con Zafrana hasta la costa andaluza. Recorran los caminos y duerman al cielo raso con ellos . Escuchen a Manuel recitar versos de los poetas. Disfruten de los paisajes y de las palabras y compartan los sueños de nuestro querido Manuel.

Donkeyote llega ahora a la Cineteca (Matadero Madrid), con sesiones programadas para esta tarde y también para los días 21, 22, 24, 25, 26 y 27 de abril. Ojalá veamos este título en otras carteleras en el próximo futuro.

Para ver horarios, precios e información completa sobre la programación ofrecida por la Cineteca (Twitter: @CinetecaMadrid), consultar su página web:

https://www.cinetecamadrid.com/

Diana Shoffstall

El Insulto. El “never ending story” de Ellos vs. Nosotros

Enfrentamientos entre palestinos e israelíes, palestinos y judíos, palestinos y libaneses, palestinos y cristianos y, en El Insulto, entre un palestino musulmán refugiado en El Líbano y un libanés cristiano y seguidor ferviente del partido ultraderechista de su país.

Póster de El InsultoToni (encarnado por Adel Karem, nacido en Beirut) es el cristiano libanés. Casado y esperando su primer hijo, el trabajo en su taller mecánico ocupa sus días. Yasser (interpetado por el palestino Kamel El Basha, nacido en Jerusalén) es el palestino refugiado en El Líbano desde hace años con su esposa. Es ingeniero y trabaja como capataz de obras de mejora en calles e infraestructuras. El celo profesional de Yasser le impulsa a desmantelar de malos modos una tubería no autorizada que desagua a la calle desde el balcón de la casa de Toni. La discusión entre ambos y los improperios lanzados por Yasser a Toni tendrán eco a nivel nacional.

El director de El Insulto es Ziad Doueiri, libanés y musulmán (aunque se trasladó a estudiar y trabajar en EE.UU. cuando la Guerra Civil en El Líbano 1975-1990 asolaba su país ). También es el co-guionista de la película, junto con Joëlle Touma, que es libanesa y cristiana (y en aquel momento su esposa). Indudablemente un cierto conocimiento de causa impregna esta historia de Ellos vs. Nosotros.

Es el never ending story de la mentalidad de las tribus que protegen a los suyos y excluyen a los demás, del miedo al otro porque es diferente a mi, de la defensa a ultranza de un punto de vista y la ceguera irracional que impide reconocer que uno puede estar equivocado. Todo ello y más, pues el calvario de los palestinos refugiados en los países de acogida es bien conocido y documentado, mientras que la carga dolorosa que supone esa acogida para esos países limítrofes a Palestina es bien aprovechada por los partidos nacionalistas.

La película ha sido bien recibida por el público y los críticos: nominada al Óscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa, premio al mejor actor (Kamel El Basha) en su paso por el Festival de Venecia, premio del público en la Seminici de Valladolid, entre otros. Bien merecidos los premios y las nominaciones. Si bien El Insulto se adentra en un terreno ya cultivado, su historia nos atrapa y nos frustra. La escalada implacable de un incidente más bien “entre vecinos” hacia una crisis a nivel nacional es preocupante. ¿Y para qué? Ninguno de los protagonistas reciben una “satisfacción” a sus demandas, aunque una frágil tregua entre los dos hombres, al margen de los medios, los jueces y los políticos, permite vislumbrar un futuro no exento de esperanza.

En el fondo, Toni y Yasser no son tan diferentes. Están en el juicio iniciado por Toni. Interrogan a Yasser que admite que es exigente en su trabajo. Se queja de la calidad de los camiones y materiales made in China que rehúsa emplear. Toni reacciona en el banquillo del demandante. Es un plano fugaz, un momento. La cara de Toni que se ilumina; Toni, que le hemos visto quejarse de la calidad de los repuestos y materiales made in China y que rehúsa utilizar en su taller. Una mirada de reconocimiento de un ser igual y respetable. Sí, sí, … el futuro no está exento de esperanza.

El Insulto, distribuida por Sherlock Films, está exhibiéndose en los cines de España desde el pasado día 16 de marzo.

Diana Shoffstall

La casa junto al mar. Redescubriendo los lazos que unen

En su nueva película La casa junto al mar el director y guionista francés Robert Guédiguian indaga en la memoria colectiva de una familia y de las personas y lugares que poblaban su infancia y adolescencia.

La casa junto al marArmand, Joseph y Angèle son tres hermanos que se reúnen en su casa natal del pueblo costero y antaño pesquero de Méjean, cerca de Marsella, cuando su anciano padre queda inválido, con pérdida de sus facultades de comunicación y comprensión. Armand, soltero, ya vivía en la casa y regenta el pequeño restaurante que había fundado su padre. Joseph llega desde París a Méjean con su joven novia (se habían conocido cuando ella era estudiante y él uno de sus profesores en la universidad). Angèle no había vuelto al pueblo desde hace 20 años. Un trágico accidente de aquel entonces hizo que la vida de Angèle diera un vuelco y desencadenó los desencuentros en el seno de la familia. Ahora, nuevamente juntos en la casa del pueblo, una segunda tragedia -la de los inmigrantes que llegan a la costa en patera- reaviva en los tres hermanos su afecto mutuo  y su solidaridad y hará que redescubran sus raíces y los lazos que les unen y comiencen a andar por el fino sendero del equilibrio entre el pasado, el presente y el futuro.

Las preocupaciones  e ideologías que nutren la cinematografía de Robert Guédiguian son presentes en esta película: algo de añoranza y mucho respeto por el pasado (un pueblo vibrante, próspero, lleno de los alegres sonidos de los niños que jugaban y las conversaciones de los mayores mientras se afanaban en sus menesteres) o la reivindicación del lugar que debería ocupar la generación de los abuelos (incesantes luchadores por los derechos de los trabajadores y los beneficios sociales). Otra cinta del realizador, Las nieves del Kilimanjaro (2011, Les neiges du Kilimandjaro) fijó su mirada en la lucha de los sindicatos y de los obreros y sus familias y fue merecedora de la Espiga de Plata y el Premio del Público en el Seminici de Valladolid en el año 2011.

Los acompañantes asiduos en esta trayectoria trazada por Guédiguian son los actores Ariane Ascaride (que encarna a Angèle), Jean-Pierre Darroussin (Joseph), Gérard Meylan (Armand) o Jacques Boudet (Martin, anciano amigo de la familia). Ariane Ascaride es asimismo la pareja del director. Con estos actores Guédiguian ha rodado más de veinte films. Cuenta aquí también con jóvenes actores como son Anaïs Denoustier o Robinson Stévenin que repiten en la filmografía del director.

Durante la primera parte de la película, llama la atención la seriedad de los rostros de los personajes, los reproches en sus miradas y la gravedad de sus conversaciones o sus silencios. Poco a poco la esperanza, la ilusión y la alegría vuelven a sus vidas. El espectador, que no se impaciente. La recompensa es grande.

La casa junto al mar (cuyo título original es La Villa), distribuida en España por Golem Distribución, la podemos ver en los cines españoles en la actualidad.

Diana Shoffstall

Verano de una familia de Tokio. Mejor pasar un invierno en cualquier otro lugar

Verano de una familia de Tokio, del veterano director y guionista japonés Yôji Yamada, retoma la historia de la familia Hirata que comenzó en la película anterior Maravillosa familia de Tokio. En la primera película la paz familiar se tambalea cuando Tomiko, madre y abuela, pide el divorcio a Shuzo después de cerca de 50 años de matrimonio, y sus hijos deberán afrontar la crisis. En Verano de una familia de Tokio, el matrimonio Hirata ha superado en apariencia la posible ruptura matrimonial. Tomiko poco caso hace a su marido y se dispone a viajar con unas amigas a ver la aurora boreal, y Shuzo se enfrenta a sus hijos cuando intentan obligarle a no conducir. Resultado de imagen de imagenes de verano de una familia de tokio

Yôji Yamada tiene 86 años (nació en septiembre del año 1931) y tiene unas 85 películas en su haber (dirigió su primera película en el año 1961). Echen la cuenta. De esa multitud de títulos, 48 pertenecen a la serie Tora-san, realizadas entre 1969 y 1995. Si no hubo más películas de esa saga, fue porque el actor protagonista falleció. Pero a Yamada le gustan sus personajes y no quiere dejarlos ir. El resultado: Kazoku wa tsuraiyo (Maravillosa familia de Tokio) y ahora Kazoku wa tsuraiyo 2 (Verano de una familia de Tokio).

Por mucho que Yamada crea en sus personajes (y en sus historias, co-escritas con Emiko Hiramatsu), los miembros de la familia Hirata en esta segunda entrega resultan, la mayoría de ellos, meras caricaturas y, por ello, sus peripecias no invitan al espectador a la reflexión sobre ciertas cuestiones cuando deberían hacerlo. Cuestiones como el lugar que ocupan los mayores en la sociedad nipona actual, el derecho de las personas de cualquier edad o sexo de determinar su propio futuro, o la soledad de las personas aún rodeadas de la muchedumbre de una gran metrópolis.

En Verano de una familia de Tokio nada es sutil. En muchas escenas (demasiadas) las muecas, los gestos y las contorsiones corporales de los actores (en particular de los actores masculinos; por lo general las féminas se salvan) acaparan tanto la atención (y provocaron en esta espectadora una incredulidad absoluta) que los diálogos y las intenciones detrás de los diálogos se ahogan. Si Yôji Yamada realmente quiere a la familia Hirata y tiene intención de contar nuevas historias en torno suyo, quizás debería repensar su planteamiento y adoptar un tono menos burlesco y más benigno.

Pero, ¿quién soy yo para opinar? No soy Yôjo Yamada. ¿Quién va a reprochar a este cineasta de 86 años su fidelidad a la visión que le ha sostenido a lo largo de su carrera?

Distribuida por Sherlock Films, Verano de una familia de Tokio está exhibiéndose actualmente en los cines de España.

Diana Shoffstall

El Cairo confidencial. El crimen y la corrupción son una lacra común que carecen de nacionalidad

Resultado de imagen de imágenes de El Cairo ConfidencialEl Cairo confidencial es una película moderna que nos sitúa en un país árabe cuya población es mayoritariamente islámica. ¡Cuántas películas se han hecho que, situadas en los países del Oriente Medio o en el Norte de África y sobre sus poblaciones, nos hablan de conflictos entre religiones, guerras partisanas, derechos humanos en general y de las mujeres en particular, pobreza y miserias! El crimen y la corrupción presentes en El Cairo confidencial no son virtudes desde luego, pero son ilustrativos de una mayoría de edad en el cine árabe.

Aunque decir “cine árabe” en este caso, pues, no sé yo. La película es una co-producción de varios países (Suecia, Dinamarca, Alemania, Marruecos). Su director y guionista es Tarik Saleh, de nacionalidad sueca, nacido en Estocolmo (eso sí, de origen egipcio). Su protagonista es Fares Fares, también de nacionalidad sueca, de origen libanés (y nacido en Beirut). Pero el corazón de esta película es árabe.

El Cairo, comienzos del año 2011, vísperas de la primavera árabe en Egipto. Noredin (Fares Fares) es un policía respetado y eficiente pero no ajeno a las corruptelas rampantes en el departamento de policía, y también omnipresentes en la política del país y en todos los estratos de la sociedad cairota. Un asesinato en el hotel The Nile Hilton (el título original de la película es The Nile Hilton Incident; el título en castellano es un guiño al género, representado por películas como L.A. Confidencial del año 1997), involucrará a Noredin en los negocios sucios de la hampa residente en El Cairo y en las actividades sórdidas de los poderosos. De este entramado nadie sale ileso.

Tarik Saleh es un director, realizador, guionista y productor (y en los años 90 era uno de los artistas de grafiti más destacados de Suecia). Fares Fares es un actor de amplia experiencia y no ajeno al género del thriller. Ha protagonizado las películas MisericordiaProfanaciónRedención, basadas en las novelas policíacas de los casos del Departamento Q del autor danés Jussi Adler-Olsen. Juntos, el tándem Saleh-Fares nos sirven una historia suculenta que saboreamos con gusto. Cuenta con todos los elementos del género. No hay ningún giro realmente sorprendente. Pero el lugar de los hechos, sí que es especial. El enorme metrópolis de El Cairo, su opulencia y su decadencia. Son los detalles (uno de ellos la breve escena en la que Noredin cumple con sus obligaciones de oración) y los pequeños atrevimientos (una discreta escena de Noredin en la cama con una partenaire que es clave en el caso) nos llaman la atención, como nos llama la atención el fumar constante de Noredin en cualquier situación o la violencia practicada por los agentes de la policía de manera casi indiferente. No estamos en Los Ángeles; estamos en El Cairo. Y eso es una gran distinción para este thriller de corazón árabe aunque se haya gestado en los países nórdicos.

Los premios recibidos en el Festival de Sundance o el Seminici de Valladolid, entre otros, avalan esta película. Pero, también por méritos propios, El Cairo confidencial recorrerá mundo. Eso deseamos al menos.

El Cairo confidencial, distribuida en España por La Aventura Audiovisual (Twitter: @LaAventuraAV), se está exhibiendo en los cines españoles desde el pasado día 28 de marzo.

Diana Shoffstall

 

Donna Haraway: Story Telling for Earthly Survival. El pensamiento acompañado y transformado en sonidos, colores e imágenes

Resultado de imagen de imágenes de Donna Haraway: storytelling for earthly survivalFabrizio Terranova (Italia, 1971) es cineasta, activista, dramaturgo y profesor en la École de Recherche Graphique de Bruselas. Donna Haraway (Denver, Colorado, 1944) es profesora emérita distinguida de los departamentos de Historia de la Conciencia y Estudios Feministas en la Universidad de California (Santa Cruz) y autora de los libros El Manifiesto Cyborg (1985) o Ciencia, Cyborgs y Mujeres: La Reinvención de la Naturaleza (1995), entre otros. Esta mujer vitalista y provocativa es una gran pensadora y narradora centrada en el feminismo, el futuro del mundo, así como la relación entre especies y la relación de las especies con las máquinas. (Donna estudió zoología, filosofía y literatura en la Universidad de Colorado y se doctoró en biología en la Universidad de Yale).

¡Que apto es el apellido de Fabrizio Terranova! Terra nova, el mundo nuevo de Donna Haraway plasmado en este fascinante documental en el que el espectador ve a Donna sentada en su casa explayándose sobre su adolescencia católica y su familia alrededor de la mesa contando cuentos, sobre la importancia de las mujeres escritoras de ciencia ficción (un nombre: Joanna Russ) y la importancia de escuchar a las mujeres, sobre la imperante necesidad de cambiar el relato para salvar el planeta , sobre la afinidad de las especies y las críticas al capitalismo, … Para el espectador que no conoce la obra de Donna Haraway (yo misma y me aventuro decir que será el caso de la mayoría de los espectadores), sus palabras sorprenden, pero uno acaba convencido por la pasión y la lógica que las sustentan.

Estos soliloquios se alternan con vídeos, grabaciones y dibujos y también secuencias que captan el entorno natural, dando al documental un aire lúdico y familiar, a menudo aderezado con música estimulante cuando no envuelto en un silencio calmante.

Acabada la proyección del documental, tuve el privilegio de asistir al coloquio posterior con Fabrizio Terranova. Nos contó que el documental se gestó largamente entre él y Donna Haraway. Es el bellísimo lenguaje de sonidos, colores e imágenes de Fabrizio que nos transportan más allá de las meras palabras de Donna. Para él el pensamiento de Donna rompe con las tendencias actuales – el mundo ha dado un giro a la derecha- ; es una inyección de aire fresco.

Una colaboración exquisita la de Fabrizio Terranova y Donna Hathaway. Si pueden, vayan a ver este mágico y cautivador film. Conozcan a las personas y otros seres vivos que importan o han importado mucho a Donna (sus maridos, amantes y amigos; su fiel acompañante canino Cayenne o el gorila Koko). Disfruten escuchando a los Gypsy Kings y su canción No Volveré. Rían con el vídeo de Cows with Guns. Sueñen con las medusas. Y presten atención al cuento final contado por Donna y a los créditos finales de Fabrizio; se sorprenderán.

Donna Haraway: Story Telling for Earthly Survival está programado aún hoy por la tarde en la Cineteca. Este documental merece un recorrido más largo por las pantallas de España. Esperamos poder verlo en las carteleras en el próximo futuro.

Para toda la programación de Cineteca (Twitter: @CinetecaMadrid), consultar la página web:

https://www.cinetecamadrid.com/

Diana Shoffstall