Locos de contento. Euforia y desolación. Una comedia grotesca para tiempos de crisis.

Locos de contento salimos los espectadores del Teatro de Las Aguas al término de esta obra del uruguayo Jacobo Langsner, puesta en escena por el español Diego Molero y protagonizada por los argentinos Camila Bertone y Gabriel Tortarolo. Contentos por haber pasado algo más de una hora en compañía de dos actores que nos han hipnotizado. Y es que Jacobo Langsner creó dos personajes allá por los comienzos de la década de los años 90 del siglo pasado con quienes podemos identificarnos casi treinta años después.

Jacobo Langsner tiene nada menos de 92 años. Aunque nació en Rumanía, llegó con solo 3 años a Uruguay con su familia. Desde hace años reside en Buenos Aires. Se considera “rioplatense” y que su obra también es “rioplatense”. En Locos de contento posa su mirada sobre el matrimonio formado por Claudia y Román cuya economía familiar está en las últimas y cuyas esperanzas se han avivado ante la inminente visita a su casa de un Senador de la Nación. Claudia intentará alentar a su marido e infundirle ánimos mientras Román no está para la labor. No tiene trabajo, están a punto de perder su casa y, si eso no fuera suficiente para hundirle, su hombría está en cuestión. Los primeros minutos de la obra están dedicados a la lastimosa situación a la que ha llegado el matrimonio ante la imposibilidad de Román de mantener relaciones carnales con su mujer. Por muy gracioso e ingenioso que ha sido el diálogo en estas primeras escenas, yo esperaba que hubiera algo más que contar, y así fue. Porque Claudia y Román finalmente se revelarán frágiles, aterrados y desesperados, no ya porque Román no pueda consumir el “acto”, sino porque se quedan sin recursos, la esperanza es efímera, el Senador de la Nación les abandona y ellos permanecen solos – Claudia y Román, una con el otro, al tiempo que aislados entre si, cada uno consigo mismo, ante un futuro sin duda incierto, quizás peligroso y sobretodo angustioso.

Al término de la obra, los actores han agradecido la presencia del público y han caracterizado la obra como una comedia “grotesca”, un género muy propio del teatro rioplatense y del que Jacobo Langsner ha sido un maestro. Su obra de teatro Esperando la carroza fue llevada al cine en 1985 por Alejandro Doria con el mismo título y se ha convertido en una película de culto en Argentina.

Comedia negra, tragicomedia o comedia grotesca, Locos de contento es una obra que merece la pena. Nos hemos reído y mucho y también nos hemos refugiado en las butacas de la sala ante la creciente tensión.

No sé si Camila Bertone y Gabriel Tortarolo son pareja o matrimonio de verdad, pero sobre el escenario y como Claudia y Ramón, son un tándem con un engranaje bien engrasado, una pareja en crisis en una sociedad en crisis. Y 10 puntos para la puesta en escena. Todo en blanco y negro, casi de modo simbólico, incluido el vestuario. Blanco y negro, dos extremos que capturan perfectamente los extremos de euforia y desolación de Locos de contento.

El Teatro de Las Aguas (Twitter: @teatrodlasaguas) ha sido todo un descubrimiento. Nos dijeron que hace ya unos cuatro años que el local se reformó y se presentó de nuevo a su público en el barrio de La Latina de Madrid. Su programación es variada y para todos los públicos e incluye espectáculos de pequeño formato (como son los monólogos) en la “cueva”.

Para toda la información sobre la programación del Teatro de Las Aguas, consulten su página web:

http://www.teatrodelasaguas.com

Diana Shoffstall

Mientras dure la guerra. Seguramente vencerá, pero quizás no convenza.

En primer lugar, es menester aclarar que esta película no es una película bélica aunque la historia transcurre en los primeros meses de la Guerra Civil española, en la última mitad del año 1936, mayoritariamente en Salamanca, donde residía Miguel de Unamuno, escritor , filósofo, intelectual vasco y rector de la universidad salmantina desde el año 1931. En el año 1936 Unamuno tenía ya la respetable edad de 72 años.

Y en segundo lugar, es preciso decir que son las excelsas caracterizaciones de los actores principales lo que hacen grande esta película (sin menoscabo de la calidad de las interpretaciones del reparto en su conjunto). Son soberbios los actores Karra Elejalde, Eduard Fernández y Santi Prego como Unamuno, el general Millán-Astray y Franco, respectivamente. Merecedores de los más fervorosos elogios los tres.

El director, guionista, productor y compositor chileno-español Alejandro Amenábar tenía tan solo 24 años cuando su primer largometraje Tesis, del año 1996, llegó y  triunfó (premios Goya por mejor guión original y mejor dirección novel). En los veintitantos años siguientes Amenábar ha conquistado el mundo entero -1 Óscar y un total de 9 Goya entre otros muchos premios- con títulos tan apreciados y de alta calidad como Abre los ojosLos otrosMar adentro, o Ágora. Sin embargo, su último film es de hace cuatro años (Regresión, 2015) y tuvo una acogida más bien tibia entre el público y la crítica especializada.  Pues Amenábar ha regresado a la gran pantalla como director, co-guionista (junto a Alejandro Hernández), co-productor y compositor de la banda sonora de Mientras dure la guerra.

Y como ya he dicho, es una película que, sobretodo, retrata a Unamuno, siguiendo sus pasos en esos meses cruciales posteriores al hundimiento de la Segunda República y el  golpe de estado, llevado a cabo el 17 de julio de 1936 y protagonizado por un sector de las Fuerzas Armadas españolas, destacando entre los militares el general Francisco Franco. Unamuno había apoyado al gobierno legítimo hasta el último momento, pero su desencanto con los políticos hizo que en un principio refrendó el levantamiento. En pocas semanas supo que se había equivocado. Se le atribuye a Unamuno las frases “Venceréis, pero no convenceréis. Venceréis porque tenéis sobrada fuerza bruta, pero no convenceréis porque convencer significa persuadir. Y para persuadir necesitáis algo que os falta en esta lucha, razón y derecho. Me parece inútil pediros que penséis en España” pronunciadas en un discurso el 12 de octubre de 1936 en el Paraninfo de la Universidad de Salamanca y frente a algunos miembros de la cúpula militar -incluyendo al general Millán-Astray- . Fue el comienzo del fin para Unamuno. Fue apartado de todo cargo público, fue destituido como rector de la universidad  y se le confinó a su casa bajo arresto domiciliario. Murió el 31 de diciembre de 1936.

Karra Elejalde transmite magistralmente todas las matices de la personalidad de Unamuno. Esperamos que quede debidamente recompensada su soberbia interpretación.

Y ahora vamos con el subtexto de Mientras dure la guerra: una fascinante representación de las intrigas y ambiciones, debilidades y secretos, fintas y cacareos de los generales sublevados que finalmente desembocaron el 28 de septiembre de 1936 con el nombramiento del “generalísimo” Franco como Jefe del Gobierno del Estado “mientras dure la guerra civil”. Las personas como yo de una cierta edad recordamos a Franco en vida. Sí, era de baja estatura y tenía una voz fina y aguda. Santi Prego encarna a Franco a la perfección. Y Eduard Fernández no deja títere con cabeza con su interpretación del general Millán-Astray, secuaz incondicional de Franco. Recordaremos a Millán-Astray por su papel en la Guerra Civil Española y porqué fundó la Legión. Y yo acabo de enterarme que también fue el fundador de Radio Nacional de España. Cosas del pasado y cosas del presente. Casualmente el estreno de Mientras dure la guerra coincide con el inminente y polémico traslado de los restos de Franco de su sepultura en el Valle de los Caídos.

Amenábar ha firmado una película interesante. Mientras dure la guerra gusta a los espectadores -a mi me ha gustado- aunque no es, en mi opinión, su mejor película. La transición entre las dos historias -la de Unamuno y la de los generales- es a veces abrupta. Pero me lo quedo todo. Podemos perdonar las irregularidades. Siéntense y disfruten del trabajo de tres grandes actores.

Mientras dure la guerra llegó a los cines de España el pasado día 27 de septiembre.

Diana Shoffstall

Usher. Un espectáculo de voluntades y mentes trastornadas en clave casi lúdica.

Teatro Karpas cambia de registro con Usher, una producción de la compañía invitada Studios Mirror. Dani Lardón es el cerebro detrás de esta producción (firma la dramaturgia y la dirección de la obra) y cuenta con la inestimable apoyo de la sala y de tres de los actores de la compañía de Karpas: Charo Bergón, Nacho Sirell y Javier del Arco.

Venta de entradas - Usher“La Caída de la Casa Usher” es un cuento de terror de Edgar Allan Poe. Los espectadores familiarizados con este cuento sospecharán que el título de esta obra –Usher– no es baladí. Efectivamente, en esta obra -mezcla de ilusionismo, terror y suspense, y utilización de prácticas dudosas de tratamiento de los psicóticos- la psiquiatra española Diana Lázaro ha “rescatado” un paciente (conocido como Usher) del londinense Hospital Real de Bethlam que data del siglo XIII. Más conocido como Bedlam (una palabra inglesa que significa manicomio), este hospital psiquiátrico arrastraba una reputación infame por el trato a los pacientes hasta los tiempos modernos. La Dra. Lázaro se propone a adentrarse en la mente de Usher para desentrañar la verdad sobre el asesinato de su familia que supuestamente él cometió y para ello involucrará al público para demostrar los secretos del subconsciente de Usher.

Charo Bergón es la Dra. Lázaro y conduce sus sesiones de “terapia” con una voz melosa, tranquilizando al público con palabras cargadas de su autoridad. Quiere llegar más y más lejos en sus “experimentos” y no duda en llamar al callado pero brutalmente eficaz enfermero (Javier del Arco) para someter al paciente a su voluntad. Usher es magníficamente interpretado por Nacho Sirell, ahora sumiso ahora astuto. ¿Quién es el psicópata? ¿Quién es el más avezado? ¿Quién ganará la apuesta?

En última instancia el público ganará. Solamente tiene que dejarse llevar y jugar este juego que entretiene, sorprende y, a veces, nos hace pegar un sobresalto.

Usher se está representando en Teatro Karpas los jueves a las 20,30 horas. Para más información sobre la programación de esta sala, cuya trayectoria data del año 1969, visiten su página web.

https://www.karpasteatro.com

Diana Shoffstall

Los informes sobre Sarah y Saleem. Atrapados en la telaraña.

Los informes sobre Sarah y Saleem ha tardado casi un año en llegar a España y bien ha merecido la pena esperar. Esta película palestina del año 2018 ha tenido una buena acogida allá por donde se ha visto; estuvo premiada en el Festival de Cine de Rotterdam y muy apreciada por los asistentes al último Seminici de Valladolid.

Los informes sobre Sarah y Saleem : CartelEsta historia de una aventura extramatrimonial -y las consecuencias que se derivan de ella- entre una judía (Sarah), casada con un coronel del ejército israelí (David) y madre de una niña, y un repartidor palestino (Saleem), casado con una joven (Bisan) de su comunidad y a punto de ser padre, es un retrato de una sociedad dividida, politizada y en guerra permanente -aún cuando no esté declarada- que se ceba en las vidas privadas de las personas.

El cineasta Muayad Alayan (y su hermano y guionista, Rami Musa Alayan) han sido testigos de situaciones parecidas en su Jerusalén natal (Jerusalén Este, donde vive la mayoría de palestinos, en contraste con Jerusalén Oeste, donde habitan los judíos) y con Los informes sobre Sarah y Saleem trasladan al resto del mundo (los que, aunque vemos las noticias y somos conscientes de la situación insostenible y violenta que se alarga en Israel y los Territorios Palestinos) la tensión e inseguridad que reinan y que condicionan la conducta de las personas: de Sarah, quien ha puesto en marcha una panadería y café; de Saleem, quien deberá pasar del Este al Oeste en su ruta de reparto y llegará hasta el negocio de Sarah; de David, quien deberá ser siempre un soldado leal; de Bisan, quien solamente quiere vivir en paz con el hombre que ama y el bebé que espera. Ni buenos ni malos. Ni héroes/heroínas ni víctimas. Personas, hombres y mujeres, que se verán atrapados en la telaraña que cubre esas tierras milenarias.

Muayad Alayan sólo tiene 34 años y ya tiene en su haber dos cortos, un documental y un largometraje (en colaboración con su hermano en muchas ocasiones). Éste, su segundo largometraje rodado en árabe, hebreo e inglés, es una película importante que no toma partido por ninguna religión o régimen, sino que pone toda su énfasis en las personas, débiles y fuertes, que se equivocan y piden perdón, y que sobreviven en un mundo hostil.

Los cineastas palestinos sin duda no lo tienen fácil. Apoyémosles. Vayan a ver Los informes de Sarah y Saleem. No se arrepentirán.

Los informes sobre Sarah y Saleem llegó a las grandes pantallas de España el pasado día 13 de septiembre.

Diana Shoffstall

Fedra. La incurable enfermedad del amor

El Teatro Karpas ha colocado una placa sobre la escalera que nos conduce al escenario y butacas. En ella, bajo el título de Fedra, leemos:

El Romanticismo que bebe en las fértiles aguas emocionales y estéticas del Medievalismo, recoge y transforma el salvaje trío que de la Grecia clásica le ha llegado. El triángulo pasional, Fedra, Hipólito, Marcelo, cobra tintes insospechados cuando se despoja de la intervención de los dioses.

Estas palabras son firmadas por Manuel Carcedo Sama, responsable de la dirección y dramaturgia de la versión romántica de Fedra que se ha estrenado hace unos pocos días en la sala madrileña.

Resultado de imagen de teatro karpasEn esta Fedra, Teseo, el esposo maduro de la joven Fedra, es un hombre de negocios que no se va a la guerra sino de viaje por asuntos profesionales. Hipólito, el hijo casi adolescente de Teseo de su anterior matrimonio y, por tanto, hijastro de Fedra, es aficionado a la caza pero también es un estudiante de los románticos. Su instructor es Marcelo, tan enamorado de la enseñanza como lo es de su alumno, que es objeto a la vez del deseo irrefrenable de Fedra. Y está también la omnipresente Ama: testigo de las mentiras, conocedora de los secretos, protectora de los inocentes y apaciguadora de las turbulencias. Pero el Ama finalmente es tan solo una persona al servicio de los demás. Ellos la quieren, pero no le escucharán y no podrá evitar el trágico desenlace.

Fedra ha fascinado a los poetas y dramaturgos a lo largo de los siglos: Eurípides, Séneca, Racine, Unamuno y muchos otros, desde antes de Cristo hasta nuestros días. Manuel Carcedo Sama ha trasladado esta historia de la incurable enfermedad del amor y de pasiones que pueden ser hasta delictivas hasta el período del Romanticismo, cuyos exponentes sobre todo dieron rienda suelta a los sentimientos en sus obras. Piensen si no en Bécquer, Víctor Hugo, Poe, Goethe, Schiller, Lord Byron, Mary Shelley, Keats, Jane Austen, Emily Bronté, Óscar Wilde … Este último fue juzgado por mantener relaciones íntimas con otro hombre y fue encarcelado por ello. Sin duda, este hecho histórico es el origen de la alusión del Ama; recela de Marcelo y de sus atenciones hacia Hipólito.

Pero es Fedra la figura central de la obra, una mujer consumida por el amor y la culpa. Marta Eguía, como Fedra, llena el escenario con su dolor desgarrador. Y está secundada por cuatro actores recurrentes de esta sala: Raúl Peñalba (Hipólito), Alberto Romo (Teseo), Jorge Peña Miranda (Marcelo) y Charo Bergón (Ama). Todos ellos, como es habitual, con sólidas interpretaciones de sus personajes.

Una vez más, con Fedra, Teatro Karpas cumple con su cometido de dar al público lo mejor de sí mismo, y el público responde, como no podría ser de otra manera, con sus aplausos.

Para más información sobre esta obra y la demás programación de Teatro Karpas, consulten su página web:

https://www.karpasteatro.com/

Diana Shoffstall

El amor médico. La ingeniosidad e inteligencia de la mujer que propone y dispone

¡Que nadie diga que el teatro clásico esté passé! La compañía de teatro Ensamble Bufo ha vuelto al escenario del Corral Cervantes este verano, nuevamente ofreciéndonos una versión de una obra de Tirso de Molina. (Los vimos el año pasado en el Corral Cervantes con una deliciosa versión de Don Gil de las Calzas Verdes). ¡Y que obra, damas y caballeros y queridos lectores! Nada más y nada menos El amor médico escrito por Tirso de Molina hace cuatrocientos años y escenificada por primera vez por esta compañía madrileña nacida en 2014 bajo la dirección de Hugo Nieto.

Resultado de imagen de cartel el amor médico corral cervantesEstamos en Sevilla, en casa de Jerónima, una joven estudiante de medicina. (Tirso de Molina, siendo un religioso de la Orden de la Merced, fue desde luego un adelantado de su época). Jerónima se ha quedado prendada del apuesto Gaspar, amigo de su hermano Gonzalo, pero Gaspar, que lleva un mes en la casa, no le presta atención. Gaspar, junto a su fiel criado Tello, finalmente deberá trasladarse a Portugal -por no decir huir- pues un asunto de amoríos en Toledo le persigue. Nuestra joven Jerónima, resolutiva y decidida, va detrás, acompañada de su también fiel criada Quiteria. Para el regocijo del público, la diversión continúa. Jerónima deberá idear estrategias cada vez más estrambóticas para lograr su objetivo, incluso se hace pasar por médico, el Doctor Barbosa, y también por una inventada Marta, hermano de éste. Gaspar -que es un enamoradizo por excelencia- recuerda el idilio de Toledo, se pregunta quien sería la misteriosa desconocida de Sevilla, se fija en la bella Estefanía, cuerpo presente en Portugal -la amada del tímido Rodrigo, amigo de Gaspar, quien sin embargo no osa profesarle su amor- . La bella Estefanía a su vez se siente cada vez más atraído por su médico el Doctor Barbosa. ¡Imagínense el enredo! Pero no desestimamos el ingenio de Jerónima y sus habilidades ¡hasta para hablar en portugués! Disfruten la final feliz y aplauden.

Disfruten toda la obra, una brillante adaptación cuya dramaturgia incluye versos de Tirso de Molina y versos nuevos de Alberto Gálvez. Un texto que enaltece la valía de la mujer y que cobra vida con las actuaciones de cinco grandes comediantes que también cantan, bailan y tocan instrumentos musicales, bajo la dirección musical de Miguel Magdalena, miembro fundador de la conocidísima compañía Ron LaLá. Nombremos a  los cinco: María Besant (Jerónima), Carlos Jiménez-Alfaro (Gaspar), Esther Isla (Quiteria/Estefanía), Dani Llull (Tello) y Jorge Muñoz (Gonzalo/Rodrigo). Ellos finalizan con una canción que recuerda y homenajea con mucho humor y respeto las muchas mujeres españolas que han sido pioneras, siguiendo la estela de nuestra ingeniosa e inteligente Jerónima.

El amor médico estará sobre el escenario hasta el 21 de septiembre. Corran, corran para no quedarse sin sus entradas.

Para toda la información sobre ésta y otras obras que podemos ver aún en el Corral Cervantes (Twitter: @Corral Cervantes) ubicado en la Cuesta Moyano de Madrid, consulten la página web:

Fiesta Corral Cervantes 2019

https://stageandscreenole.wordpress.com/2018/08/06/don-gil-de-las-calzas-verdes-una-comedia-de-enredos-clasica-triunfa-cuatro-siglos-despues/

Diana Shoffstall

El peral salvaje. Sobrevivir, superar, soñar

Tres horas y ocho minutos. Es la duración de El peral salvaje, la última película del cineasta turco de 60 años, Nuri Bilge Ceylan. Ocho minutos menos de Sueño de invierno que se alzó con la Palma de Oro de Cannes en el año 2014. Tres horas y ocho minutos de inmersión en la Turquía actual tal como es percibida por Sinan, un joven que, acabados sus estudios universitarios en Çanakkale (una ciudad portuaria sobre el estrecho de los Dardanelos que une el Mar Egeo con el Mar de Mármara), retorna a su pueblo natal de Çan, en el interior, a 70 kilómetros de distancia de la costa. El reencuentro con su familia y su pueblo es también un reencuentro con el pasado y una búsqueda de futuro.

Resultado de imagen de logo película el peral salvaje Sinan está nuevamente en su casa, y como muchos jóvenes procedentes de pueblos pequeños que se han trasladado a la gran ciudad para estudiar, se muestra algo beligerente, despectivo y pomposo. En realidad, Sinan intenta enmascarar el miedo y la inseguridad que le abruman. Rehúsa el ejemplo de su padre, un profesor muy querido y respetado durante muchos años, pero que ha desperdiciado su reputación por su afán al juego. Ha dejado a su familia al borde de la penuria y es objeto de las burlas sútiles por parte de sus colegas y vecinos. Sinan desprecia y culpa a su padre por su caída en desgracia, y recrimina y culpa a su madre por lo que él percibe como una actitud pasiva. Sinan está a la deriva. Su gran sueño es publicar el libro que ha escrito, alcanzar el éxito, ser una figura importante en el mundo literario, dejar atrás la herencia vergonzosa del fracaso de su padre.

La verdad dicha, en los más de tres horas del largometraje, el espectador lucha por empatizar con Sinan. Es difícil. Nos enforzamos pero Sinan no nos gusta, a mi no me ha gustado. Aborda en una biblioteca pública a un escritor que tiene cierta fama. Le habla de su libro y solicita su ayuda al mismo tiempo que le cuestiona su legitimidad y autenticidad. La paciencia del escritor se acabará. (La secuencia en la que el escritor se deshace del pegajoso y repelente Sinan es memorable). En otra escena Sinan se encuentra por casualidad con una joven amiga que se dispone a casarse por conveniencia. Tampoco puede Sinan reprimir su desdén a pesar del cariño que él le profecía a ella en el pasado. Discute con su madre, ignora a su hermana, se pelea con sus amigos, desatiende su preparación para el examen que le dará el título de profesor. En definitiva, nuestro protagonista prosigue la quimera de ser otra persona: no el hijo de su padre, no un profesor de escuela de pueblo, no el guardián de las tradiciones y la memoria, no un “don nadie” sino un “don alguien”, un “señor escritor”.

No es lugar para desvelar si Sinan consigue o no publicar su libro, si se reconcilia o no con su familia y su pasado. Sí podemos desvelar que al final de la película -que da un pequeño salto en el tiempo- Sinan no es el mismo joven desagradable, tendencioso, maldiciente que conocemos al principio. Quizás ahora sí Sinan tenga derecho a soñar.

Una película compleja ésta de Nuri Bilge Ceylan. Y unos actores que sintonizan con el director. Aprecio especialmente las interpretaciones de Dogu Demirkal como Sinan (Demirkal prácticamente es debutante en esta película; se ganaba la vida -se dice malamente- como cómico); Serkan Keskin como Süleyman, el escritor; y Murat Cemcir como el padre, Idris. Y aprecio sobre todo la larga escena entre Sinan y dos imames jóvenes, una escena cuyos diálogos -incluidas las palabras de Sinan- reflejan las contradicciones, controversias y contrastes de la Turquía actual.

El peral salvaje llegó a las pantallas de España el pasado día 1 de agosto y sigue en la cartelera.

Diana Shoffstall

La dama boba. Cada oveja con su pareja

La Fiesta Corral de Cervantes, el logrado homenaje a la creatividad literaria del Siglo de Oro, entra en la recta final de ésta, su tercera edición. La dama boba, de Lope de Vega, es un ejemplar exponente del teatro del Siglo de Oro. Una comedia de enredos, en ella los versos de Lope de Vega hacen piruetas para atrapar al espectador que sigue la acción trepidante de la obra con -nunca mejor dicho- grandes expectativas.

Resultado de imagen de cartel de la dama boba corral de cervantesLas hermanas Finea y Nise son aparentemente opuestas. Finea es la niña boba cuyas palabras y modales desesperan a su padre mientras que Nise es inteligente y reservada y desprecia las tonterías de su hermana. Los pretendientes les rondan pero pronto descubriremos que el amor es inconstante y que las apariencias no son fiables. Octavio, padre de las hermanas, consigue que Liseo se compromete en matrimonio con Finea sin que él conozca aún a su prometida. La bobedad de Finea le espantará a Liseo quien se sentirá irremediablemente atraído por Nise. Laurencio, poeta pobre, es aceptado como la pretendiente de Nise quien se cree enamorada de él, pero el mayor dote de Finea hace que Laurencio se acerca a la hermana boba. Lo que sigue incluye peleas entre las hermanas, cruces de sables entre Liseo y Laurencio y también entre Nise y Liseo, quebraderos de cabeza de Octavio, y la complicidad activa y/o el regocijo pasivo de los variopintos criados y cortesanos del entorno de los protagonistas, mientras Finea y Nise descubren nuevas facetas hasta ahora desconocidas de sus personas. Finea se mostrará valiente y firme y Nise se revelará tierna y sentimental. El amor vencerá. Cada oveja con su pareja.

La dama boba representada en el Corral de Cervantes es la creación de la compañía Clásicos on the road, dirigido por Antonio Alcalde (y que también encarna a Laurencio en la obra). Los seis miembros del elenco -cuatro hombres y dos mujeres- interpretan sendos personajes con la excepción de los actores que se ponen en la piel de Octavio y Finea. (Beatriz Morandeira destaca sobre todo por su interpretación como Finea). Hay que decir que el ritmo de la obra es muy rápido y no todos los espectadores tenemos la facilidad de comprender los versos clásicos. Pero la dinámica de la obra y el buen hacer de los actores logran que el público finalmente disfruta con la comedia.

Ya han finalizado las representaciones de La dama boba en el Corral de Cervantes, aunque seguramente seguirá de gira en otras localidades. Pero aún hay obras muy esperadas que podemos ver en la Cuesta de Moyano de Madrid. Hoy mismo se estrena El amor médico, obra de Tirso de Molina hasta ahora nunca representada sobre un escenario. El lazarillo de Tormes, que estuvo también en la anterior edición del Corral de Cervantes, asimismo está en la programación desde hoy. (Ver abajo el enlace a la reseña que se publicó en este blog el 9 de septiembre del año pasado). Y, entre otros espectáculos, Las mujeres sabias de Molière llegará al Corral de Cervantes en los próximos días.

Pueden consultar toda la información sobre esta 3ª edición de la Fiesta Corral de Cervantes en su página web:

http://www.corralcervantes.com/

https://stageandscreenole.wordpress.com/2018/09/09/el-lazarillo-de-tormes-el-picaro-por-antonomasia-hechiza-al-publico-en-este-espectaculo-protagonizado-por-dos-grandes-talentos/

Diana Shoffstall

Antígona. Una noche mágica, sublime, de ensueño

Casi 2500 años. Es la “edad” de Antígona. Bueno, vamos a concretar. La primera representación de la tragedia de Sófocles tuvo lugar en el año 441 a.C. y no ha dejado de representarse desde entonces sobre los escenarios de todo el mundo. Pero esta Antígona del Víctor Ullate Ballet-Comunidad de Madrid quizás sea la primera versión danzada. ¡Y con que maestría!

Víctor Ullate (director de la compañía que fundó en el año 1988) y Eduardo Lao (director artístico y compañero inseparable de Ullate desde hace 30 años) han creado una coreografía brillante para transmitir al público todas las emociones de los personajes de este texto universal sobre el deber personal o familiar (Antígona) y el civil o político (el Rey Creonte). Desde principio a fin el espectáculo cautiva, hipotiza y ciega al público a todo cuanto sea ajeno a los movimientos sobre el escenario.

Resultado de imagen de cartel antígona víctor ullateLas escenas se van sucediendo, cada una de ellas cargada de sentimiento. Antígona (la gran bailarina Lucía Lacarra) y su hermana Ismene (Min Kyung Lee) intentan consolar a su ciego padre Edipo (Cristian Oliveri); Polinices (Alejandro Bretones) y Eteocles (Avery Reiners), los hermanos de Antígona, se enfrentan en guerra y se dan muerte; Antígona e Ismene velan el cadáver de Polinices; Antígona desobedece al Rey Creonte (Mariano Cardano) quien ha ordenado que el cadáver sea arrojado por las murallas y no enterrado, … Y llegamos a las aún más bellas escenas, si cabe, que nos conducen al final de la tragedia. Antígona y Hemón, hijo de Creonte se aman (el joven pero ya consagrado Josué Ullate, hijo de Víctor Ullate es Hemón) y se desesperan pues el castigo de Antígona por su desobediencia al Rey es ser enterrada viva. El Rey Creonte sufre ante la angustia de su esposa Eurídice (Keiko Oishi) y tiembla ante las profesías del ciego Tiresias (Dorian Acosta). El desenlace es abrumador, con el Rey Creonte rodeado de los cuerpos sin vida de Antígona, Hemón y Euridice. Y llegaron los aplausos y las ovaciones del público en pie.

Fue una noche mágica, sublime, de ensueño. La escenografía, la iluminación, el vestuario y sobre todo la música, que evocaba los orígenes griegos -casi orientales- de la obra- , constituían un marco perfecto. Eso sí, he echado de menos una mención concreta de las músicas que han sustentado este ballet. El programa de mano es muda al respecto (“música: varios intérpretes”). He leído en otras crónicas que, además de creaciones de artistas como Peter Gabriel o Lisa Gerrard, la música original para el ballet ha sido obra de Rubén Lebaniegos, David Moñiz y Sergio Menem. Mi enhorabuena.

Antígona ha llegado a Madrid después de triunfar este verano en el Festival de Teatro Clásico de Mérida, el Festival de Verano de San Lorenzo de El Escorial y la Quincena Musical de San Sebastián. ¿Será la última coreografía de Víctor Ullate? Puede ser -o no- . Ya el año pasado Ullate declaró que en el futuro se dedicaría a su Fundación para la Danza. Eso fue con motivo del inolvidable 30 años de danza que homenajeaba la trayectoria de Ullate y que tuvo lugar también en los Teatros del Canal (se publicó una reseña de este evento el 28 de agosto de 2018; ver el enlace abajo). Sea como fuere, el legado de Víctor Ullate perdurará.

Antígona se está representando en los Teatros del Canal de Madrid hasta el próximo 8 de septiembre de 2019.

Encontrarán toda la información sobre éste y otros espectáculos de la programación de Teatros del Canal (Twitter: @TeatrosCanal) en este enlace:

http://www.teatroscanal.com/

https://stageandscreenole.wordpress.com/2018/08/28/30-anos-de-danza-victor-ullate-para-la-posteridad/

Diana Shoffstall

La importancia de llamarse Ernesto. Las genialidades de Oscar Wilde sobreviven más de 100 años después

El irlandés Oscar Wilde (1854-1900) fue un escritor prolífico a pesar de que muriese a la temprana edad de 46 años. Muchas son las obras que Wilde ha legado a sucesivas generaciones de escritores, a los estudiosos y a los lectores, entre otras el relato En Fantasma de Canterville, su única novela El Retrato de Dorian Gray, el poema Balada de la Cárcel de Reading, y un largo etcetera.

Resultado de imagen de la importancia de llamarse ernesto teatro lara cartelUna de sus obras más queridas es, quizás, esta obra de teatro, La importancia de llamarse Ernesto, escrita a finales del siglo decimonoveno. Es una comedia de enredos: dobles vidas, un hermano ficticio, identidades erróneas, mujeres fantasiosas, una alta sociedad que premia sobre todo las “referencias”. La historia gira en torno a Jack Worthing, que reside en el campo. Aunque carente de “referencias”, es tutor de la joven y rica Cecily Cardew. Jack se inventa un hermano algo canalla, Ernesto, para justificar sus escapadas a Londres. “Ernesto” y su amigo Algernon Moncrieff son extravagantes y muy atractivos. Tanto que Gwendolen Fairfax, hija de la formidable Lady Bracknell, se enamora de “Ernesto” y él la corresponde. Lady Bracknell, por supuesto, se opone a un matrimonio con un joven sin “referencias” y Jack/”Ernesto” no tendrá más remedio que intentar desenredar el enredo. Todos terminan en la casa de campo de Jack Worthing. Gwendolyn se escapa de su casa en Londres para unirse con “Ernesto” (sin que él lo sepa), Lady Bracknell le sigue a su hija, Algernon quiere saber qué pasa en el campo y quién es esa joven Cecily. No se le ocurre a Algernon nada más oportuno que presentarse en la casa de campo, haciéndose pasar por “Ernesto”, el hermano de Jack. Pronto se descubrirá que Cecily está locamente enamorada de ese “Ernesto”, algo canalla, hermano de su tutor, y, como no, Algernon se queda prendado de Cecily. Y ahora sabemos porque es tan importante llamarse Ernesto. Las jóvenes Gwendolyn y Cecily identifican a sus amados como “Ernesto”, el honesto Ernesto, y nadie se llama Ernesto en realidad.

Como es de esperar, hay más vueltas de tuerca y descubrimientos sorprendentes hasta el final que es, por supuesto, satisfactorio para todos los personajes y también para los espectadores. No es fácil que la sutileza del lenguaje y juegos de palabras empleados por  Oscar Wilde traspasen la barrera de la traducción a otro idioma. Pero esta obra, versionada y dirigida por Ramón Paso, no está nada mal. Y ha acertado con una estética que combina trajes de finales del siglo 19 con deportivos de colores. El diario en el que Cecily vuelca sus imaginaciones románticas es un tablet. Si bien, antes de levantar el telón, la música de Gilbert & Sullivan nos acompañaba, durante la obra suenan temas pop. (Gilbert y Sullivan fueron afamados libretista y compositor de numerosas operetas durante la época Victoriana; una amiga británica tuvo la gentileza de llamar mi atención sobre estas melodías previas).

Un texto divertido, sí, y una dirección y escenografía más que aceptables. Es una pena que algunas de las interpretaciones son muy flojas. Lady Bracknell es un personaje fuerte, con carácter, sus declaraciones y pronunciamientos son contundentes. Esto sobre el papel. Desafortunadamente, la actriz que interpreta Lady Bracknell no transmite la esencia de su personaje. Los jóvenes actores que interpretan a Jack Worthing y a Algernon Moncrieff son algo mejores (mejor aún el actor que encarna al Reverendo Chasuble que aparece en las últimas escenas de la obra), pero son las chicas que brillan: Ana Azorín como Cecily Cardew, Inés Kerzan como Gwendolen Fairfax y una estupenda Ángela Peirat como la omnipresente y sagaz criada Señorita Lane.

Aún con este “pero”, ésta La importancia de llamarse Ernesto es una obra para pasarlo bien. El teatro estaba lleno, y eso que estamos en pleno período de vacaciones estivales.

Las obras de la compañía Pazoazorín Teatro, responsable de esta producción, son habituales en el Teatro Lara. Aparte de La importancia de llamarse Ernesto, actualmente podemos ver Lo que mamá nos ha dejadoBesARTE, mimART y follARTE. Esta espectadora vio esta última obra en Sala Intemperie hace unos meses:

https://stageandscreenole.wordpress.com/2019/01/27/besarte-mimarte-follarte-mejor-aun-dejarte/

La importancia de llamarse Ernesto estará en cartel hasta el 29 de septiembre. Consulten la página web del Teatro Lara (Twitter: @teatrolara) para toda la información sobre esta obra y la demás programación en sus dos salas.

http://www.teatrolara.com

Diana Shoffstall